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Archivos Mensuales: mayo 2008
La pelicula me pareció que quería demostrar una sociedad en cambio, versus la constante realidad permamente, la realidad de la pobreza, de los juegos, de las fiestas, de las manifestaciones, de las injusticias, de la ingenuidad , del amor…etc.
La cámara como protagonistra, es el medio que existe para dejar un registro de la realidad y no de cómo te lo pueden contar, tu lo ves, tu realidad te transporta a ese momento , no existen supuestos, como en la literatura. Es quizás por esto, el carácter del fotógrafo, un carácter que pareciese que nada ya le importa, que ha fotografiado mucho y al cual hay que deberle respeto. Contrario a esto ridícula parece la escena en la cual vuelve a fotografiar al hombre asesinado en el parque y se encuentra con que no esta el cuerpo, y mira hacia arriba, las hojas de los arboles como pidiendo que le contasen que fue lo sucedido..
La gracia de los objetos en la fotografía es que adquieren protagonismo. Nuestro hombre en cuestión, captura figuras humanas y como es que estas , en un contexto le dan carácter a la fotografía. El tema el cual estoy utilizando para mi investigación, esta ligado a los objetos y como estos configuran espacios, es en la escena en la que el fotógrafo (¿) sale a la calle y grita esperando una respuesta de la gente, una respuesta natural, no una respuesta forzada como lo debe hacer con la fotografía en su estudio, porque su realidad adquiera sentido, por encontrar una verdad, o simplemente por el hecho de gritar en las calles; donde veo reflejado más fuertemente el sentido del objeto como estructurador de una realidad; son las ventanas y puertas cerradas, los autos vacios y la calle, los que crean la sensación de ausencia y no lugar en esa escena, es exactamente la teatralidad escenográfica de una “ciudad vacia” lo logrado en esta escena, gracias a los diversos objetos que la conforman. El objeto habla por si solo, no necesita de un espacio habitable para que tome vitalidad. Su vitalidad es su ausencia. Es ese su protagonismo en esta escena.
Las escenas de la película están cargadas de contrastes, (planos fotográficos versus escenas es donde convergen texto y película) al igual que la realidad, al igual que la época que se estaba viviendo. Objetos que para algunos lo significan todo, para otros no tienen ningún valor y para otros pasan inadvertidos.(escena en la cual el fotógrafo sale de la tocata con un pedazo de la guitarra rota), para finalmente botarlo. Involucrarse con un objeto y darle un valor sentimental para el es absurdo. El solo vive de los momentos, y su rápido estilo de vida, solo descansa durante el periodo de búsqueda del asesinato.
El color blanco, en los personajes y en los cuadros, pareciera ser que quiere representar lo pasajero y transitorio de la vida, y el blanco de los mimos, quizás nos representan la realidad común, un lenguaje común , en el comienzo ,y al final talvez , una forma de representación de una realidad convergente en un mismo momento.
Camila Andujar
Video de [diluvio].Creado por:Niles Atallah, Joaquin Cociña, Cristóbal LeónJuly 12th, 2007 by Diluvio
Pelicula recomendada.
“El realizador francés levanta aquí una crítica mucho más ácida contra la sociedad moderna, tecnificada y deshumanizada, en base a dos ejes narrativos: la industria de mangueras de su cuñado y la vivienda familiar de su hermana, ese domicilio completamente automatizado puesto al servicio de una nueva clase media-alta regida por lo superficial y lo frívolo, y con unas pretensiones de progreso tecnológico que no encuentra equivalente a nivel cultural.”
La Butaca.cl [reseña de la pelicula] >> http://www.labutaca.net/films/30/mitio.htm
Intevenciones en el espacio público con minimos elementos
David Maisel
David Maisel (b. 1961) estudiante de arquitectura, arquitectura del paisaje, y la fotografía tanto en la Universidad Princeton como en Harvard, se Gradúa en la Escuela de Diseño – antes de su salida se dedica a la carrera fotográfica de jornada completa. Él ahora vive en la Bahía el Área, y expone internacionalmente.
En sus propias palabras, David tiene “una fascinación con el deshacer del paisaje.” Se ha hecho extensamente conocido por su trabajo aéreo, que incluye los estudios ampliados de minas norteamericanas, bosques netos, urbano, charcas de evaporación y otras industrias periféricas del Gran Lago de Sal.
“Nosotros habíamos soñado con construir ciudades, campos de torres brillantes, fantasías urbanas quisieron decir a la casa nuestras esperanzas de progreso; ahora buscamos paisajes desmontados, abandonados, derrumbándonos sobre ellos. Más bien que crear la siguiente utopía, destapamos los vestigios de tentativas fracasadas, pruebas de destrucción.”
Su trabajo consiste en proporcionan una visión alternativa del paisaje, las perturbaciones humanas y la arquitectura del paisaje y la restauración ecológica. Lejos de la visión idílica, y escasamente real, de la fotografía de la naturaleza, se sitúa el trabajo de David Maisel. No pretende convertir antiguos paisajes industriales en nuevos jardines, sólo recuperarlos ambientalmente al tiempo que conservan su valor cultural.
Madisel utiliza la imagen aérea para captar la estética y evolución de paisajes alterados por el hombre (minas, zonas urbanas, lagos desecados y contaminados, nubes de contaminantes, …). Un “fotógrafo de la naturaleza”, que se interesa no por la belleza de la naturaleza inalterada sino por los paisajes modificados por el hombre.
Animación y grafiti en el espacio público
Date: 8 April 2008
Venue: Tate Modern
Herzog & de Meuron, architects of Tate Modern, present the National Stadium for the 2008 Olympic Games in Beijing. With an almost circular footprint, the bowl-like stadium, which seats 91,000, containing a network of bars, restaurants, hotels and shops, is expected to become a vital, urban space with a future beyond the Olympics.
Part of Real Architecture Spring 2008
Curated by The Architecture Foundation
Sponsored by Davis Langdon LLP
El tema de la realidad, a sido cuestionado desde siempre , si es real lo q existe , lo que vemos o lo que creemos ver : estos son los temas que relacionan ambas obras a comparar, tanto la obra literaria de Julio Cortázar Las babas del diablo (1959) como la que fue inspirada con este mismo al director Antonioni en su obra cinematográfica Blow-Up (1966), ambas toman esta problemática pero visto desde el lente de una cámara fotográfica, la que se ve reflejada en las fotos , estas dan cuenta distintas realidades las cuales al ampliar las mismas dan a conocer una versión detallada la que ha su vez vuelven a ser ampliadas y vuelven a plasmar otra realidad minima , las que en su totalidad conforman una historia que no se percibió en el momento de la captura del lente y que al congelar este y descomponerla , nos muestra la verdad del momento; pero la verdad es relativa , depende de quien la perciba, de cómo llegue a interpretar lo que esta a primera vista ¡!!! Y si a esta misma hacemos zoom hasta llegar a lo mas mínimo (hasta llegar al pixel) nuestra interpretación volverá a cambiar ( la que podríamos resumir en un constante proceso de análisis) esto se percibe en la película como el enigma de un crimen a partir del análisis de una serie de fotografías que se realizaron, las cuales las analiza y que amplía en sucesivos “blow-ups” )
1-“Que había tomado por una pareja se parecía mucho mas a un chico con su madre, aunque al mismo tiempo me daba cuenta de que no era un chico con su madre, de que era una pareja”.
2- “creo que se mirar, si es que algo se, y que todo mirar resuma falsedad”
Texto las Babas del Diablo
Tras estas dos frases sacadas del relato se plantea el acto de mirar dándose la diferencia entre mirar y lo mirado. La película toma la esencia del texto.
“[...] su héroe favorito es el que mira. Es peligroso, ya que al observar, al mirar más tiempo del necesario [...], se desequilibra el orden establecido, en tanto que, normalmente, el tiempo exacto de una mirada es algo que dicta la sociedad”. (Roland Barthes)
A partir de esta cita se puede concluir que la mirada tiene un tiempo determinado, mas allá de este la imaginación comienza a interceder en lo que estamos viendo y comienza también una interpretación distinta.
“Cuando se utilizan ampliadoras [...] pueden verse cosas que probablemente el ojo desnudo no sería capaz de captar [...]. El fotógrafo de BLOW UP, que no es un filósofo, quiere ver las cosas más de cerca. Pero lo que sucede es que, al ampliarlas demasiado, el objeto se desintegra y desaparece. por lo tanto, hay un momento en que asimos la realidad, pero ese momento pasa. Este es en parte el significado de BLOW UP” (Michelangelo Antonioni)
El juego entre la verdad y la fantasía, lo que fue y lo que pudo haber sido, lo que sucedió de verdad o lo que tal vez no sucedió nunca; Esta es la temática que toma el protagonista la que a su vez se inserta en un contexto histórico de Londres de los 60, en pleno movimiento mod. (Modernista) donde al término de la película queda la sensación de no saber si lo que ocurrió es verídico o eso fue todo producto de solo un espejismo.
Katherinne Flores
Blow – up y las babas del diablo, aparecen como la transformación del cine y de la literatura respectivamente a una escenificación dentro de la obra misma a través de la fotografía, es decir, esta última actúa como mecanismo para, a través de dos géneros distintos, desarrollar una historia o drama que se genera desde una imagen (foto).
Es clara la forma en que Antonioni se basa en la obra de Cortázar, muy evidente con una trama casi exacta en el momento en que se toman las fotografías, pero al mismo tiempo, con diferencias bastante importantes respecto al escenario social y a la personalidad de los dos protagonistas.
En el caso de las Babas del diablo, hay sólo una descripción vaga de la ciudad de París, se crea une escenario otoñal para desarrollarla, pero no sobrepasa más allá. El caso de Blow- up es distinto. Antonioni tiene una preocupación clara, desde el comienzo de la película de demarcar un contexto social en el Londres de los 60, marcado por el swinging London, las expresiones culturales que se vivían en ese minuto, la importancia del tema de la moda, todo retomando a Londres como ciudad que crecía económicamente. Es ahí donde también el protagonista de Blow-up comienza a tomar distancia de Michel, ya que él esta completamente involucrado con este contexto que se estaba creando en Londres, de forma artificial, a través de su trabajo como fotógrafo de Modas. Michel se ve como un personaje más austero, sin muchas aspiraciones que no toma la fotografía como una fuente de ingresos.
Podríamos decir que la obra de Antonioni es una intensificación de las babas del diablo. El cuento de Cortazar habla de una realidad escondida, detrás de la banalidad de todos, algo secreto que se aleja de lo cotidiano, es decir, elementos que sólo pueden ser encontrados a través de la observación minuciosa. Es el mensaje que Antonioni rescata y le da mayor poder. Exhibiendo a un personaje totalmente comido por este mundo superficial, cayendo en el sector más frívolo de la fotografía, alejado de una realidad, un hombre que vive su vida sin la necesidad de otros, sólo con la intención de que otros le sirvan. Tiene, entonces una ilusión falsa de la realidad y a fin de cuentas, la película es el camino que usa para llegar a algo más real, para acercarse a un paisaje real, lejos de su estudio de fotografía.
Es ahí donde la fotografía juega este papel de traspaso de una no realidad a una realidad. Las dos fotos, las de ambas obras, hablan de algo silencioso, similar a los mimos de Blow-up, que puede ser revelado al minuto de observar con detención, de ampliar la foto y de acercarse a una realidad lejana, se trata de que no todo es lo que parece.
“Cuando se utilizan ampliadora (…) pueden verse cosas que probablemente el ojo desnudo no sería capaz de captar” (Michelangelo Antonioni)
Ambos protagonistas, como todo fotógrafo, tienen sed de acercarse a la vida e historia de otros, a tratar de captar sus momentos íntimos, a dejar de lado la privacidad. Los argumentos son los mismos, todos pueden sacar fotos en espacios públicos libremente.
Y es en ese espacio público, donde se habla de dos realidades también presentes en ambas obras; Una, el espacio público o parque, otra el lugar de trabajo, cerrado, el lugar donde observar lentamente, donde entrar a esta realidad, que si, es realidad pero está escondida en una foto.
Se observan dos procesos distintos, uno, el de las babas del diablo, en que a través de la imaginación el fotógrafo comienza a percibir una historia entre ciertos personajes y que al ampliarla y observarla constantemente adquiere un poder y grandeza que hacen sentir al protagonista preso de esta realidad escondida, del verdadero significado de la foto, de que hay una historia importante tras todas las imágenes captadas. Otro proceso, el del protagonista de Blow-up, tiene que ver con una ampliación y acercamiento de la foto que va creando situaciones, se van develando cosas escondidas, alejando la imaginación.
Ambos entonces, son presos de lo que estas fotografías les producen, ambos protagonistas se obsesionan con esta forma de ver la realidad, la fotografía, y es entonces ésta la encargada de revelar esta realidad tapada.
Magdalena Vidal del Valle
Comentario Sofía Valdivieso
En relación, al el texto “Las Babas del Diablo” de Julio Cortázar que inspiró al autor Michelangelo Antonioni Blow up, 1966, realizaré una apreciación personal, a través de tres aproximaciones, con respecto a evidenciar y relacionar vínculos implícito y explícitos entre estas obras (literaria y cinematográfica).
En base a 3 aproximaciones:
· C O N T E X T O__ reflejo de una sociedad / maquillaje que oculta la realidad.
· F O T O S__ plasma fragmentos de una realidad / esconde otra verdad, la imagen.
· F O T Ó G R A F O__ interpretación al seleccionar fragmentos / obsesión por retener momentos y sensaciones.
· C O N T E X T O__ reflejo de una sociedad / “maquillaje” que oculta la realidad.
La película me llamó la atención que refleja una atmósfera de la sociedad, de los años 60 en Londres, “en pleno festival de la psicodelia, las drogas y los desastrados, en donde claramente, a través, de la estética imperante en moda, diseño interior, hábitos de modelos, fotos y maniquís” 2. Se muestra una realidad superficial que por medio de un “maquillaje” oculta la realidad. Esta idea se vincula con la siguiente aproximación, sobre la discusión de esta realidad escondida, en donde una imagen, oculta en sus fragmentos la verdad.
La imagen oculta la realidad, la verdad que depende de la selección de fragmentos por quien la captura, muchas veces ni el mismo se da cuenta de esa realidad. Me refiero a que en esta película se muestra como el fotógrafo ingenuamente, obsesionado por capturar momentos, registra imágenes, que ocultan otra realidad, que se evidencia o se hace presente la verdad, al fragmentar las partes de la imagen.
“Hombre llegó a la luna”
· F O T O S__ plasma fragmentos de una realidad / esconde otra verdad, la imagen
“Lo que el ojo no pudo ver a simple vista, queda capturado por las sensibles piezas de una cámara fotográfica. Un asesinato puede ser aclarado con tan sólo ampliar y ampliar…” 2
“Curioso que la escena (la nada, casi: dos que están ahí, desigualmente jóvenes) tuviera como un aura inquietante. Pensé que eso lo ponía yo, y que mi foto, si la sacaba, restituiría las cosas a su tonta verdad.” 1
Al referirme sobre la fotografía que es un registro, aunque tenga una interpretación o un enfoque personal, la imagen siempre sigue mostrando veracidad. Pero en la película, se muestra que la imagen en esta caso esconde la realidad, que de alguna manera con un gesto de fragmentar la imagen, da a conocer sus partes, que en este caso era ampliar y ampliar la fotografía nos permite conocer la verdad que oculta. Lo que me llama la atención de esto, es que se pone en discusión el tema de hasta qué punto una imagen es real. Me recuerda un ejemplo concreto, del Hombre cuando llega a la luna, la imagen en los videos, muestran que el hecho ocurrió, que es una evidencia, pero como podemos comprobar que no es otra realidad, quizás si fragmentáramos la imagen, en sus partes estaría la realidad que oculta, si es que la oculta.
· F O T Ó G R A F O__ interpretación al seleccionar fragmentos / obsesión por retener momentos y sensaciones.
“Levanté la cámara, fingí estudiar un enfoque que no los incluía, y me quedé al acecho, seguro de que atraparía por fin el gesto revelador, la expresión que todo lo resume, la vida que el movimiento acompasa pero que una imagen rígida destruye al seccionar el tiempo, si no elegimos la imperceptible fracción esencial. No tuve que esperar mucho.” 1
“Cuando se anda con la cámara hay como el deber de estar atento, de no perder ese brusco y delicioso rebote de un rayo de sol en una vieja piedra, o la carrera trenzas al aire de una chiquilla que vuelve con un pan o una botella de leche. Michel sabía que el fotógrafo opera siempre como una permutación de su manera personal de ver el mundo.” 1
Lo que me impresionó con respecto al fotógrafo en la película, se evidencia en las citas anteriores, en la idea de capturar un momento o una sensación a como dé lugar, sin saber porque o con qué fin. A mí juicio, hay una obsesión por detener el tiempo, para acumulación información. Creo que eso te impide mirar la esencia o verdad de la realidad de un determinado momento, lugar o sensación.
Vinculé de inmediato, esta acumulación que no te deja ver la realidad, como cuando a veces la gente al viaja se transforma en “turista”, sacando fotos de todos lados para evidenciar que estuvo ahí y luego se va, pensando que así conocería el lugar, limitando la manera de conocer y observar. El fotógrafo, debería realizar una selección de la información, debería aprender a mirar a través de su cámara y usarla como un filtro personal de la realidad. Esto se vincula con el siguiente párrafo:
“Creo que sé mirar, si es que algo sé, y que todo mirar rezuma falsedad, porque es lo que nos arroja más afuera de nosotros mismos, sin la menor garantía, en tanto que oler, o (pero Michel se bifurca fácilmente, no hay que dejarlo que declame a gusto). De todas maneras, si de antemano se prevé la probable falsedad, mirar se vuelve posible; basta quizá elegir bien entre el mirar y lo mirado, desnudar a las cosas de tanta ropa ajena.” 1
Para finalizar quiero dejar en claro lo que rescato de haber leído, he visto la película. Por un lado es interesante, ver de qué manera las disciplinas se relacionan, se producen vínculos, (objetivo del curso), en este caso entre una obra literaria, inspiró al autor en la película, para generar un discusión frente a temas vinculados al arte, con respecto ¿hasta qué punto la fotografía es fiel muestra de la realidad?, ¿podemos llegar a la verdad de la imagen, sólo al ver los fragmento de ella?.
Por otra parte, con respecto a la obsesión plasmada en el texto y la película del fotógrafo por acumular información, creo que se vincula con lo propuesto por en la exposición Nicolás Rupcich, el jueves 10 de abril, en un aspecto en el volumen de la información que de alguna manera acumular información interviene la idea real de los hechos, si no se filtra esa acopio. ¿En qué medida la imagen es reflejo de la realidad?, ¿de qué manera realizamos una selección de la información que tenemos? ¿Sabemos observar?, que debería ser mas allá de algo formal, sino más bien en relación a seleccionar lo que miramos y como miramos.
1 “Las babas del diablo” (Las armas secretas, 1959), Julio Cortázar
2 Andrés San Martín, reseña de la película.
Fue en aquel fragmento de idea que hizo su mirada, esta frase es clave para entender el desarrollo de la película, las imágenes son fragmentos, de los cuales requieren de nuestra intervención para así poder entenderlos e interpretarlos, por lo tanto es así como toda imagen no solo debe de remitirse a entenderse solo a un fragmento objetivo del espacio, sino mas bien una imagen es una acción en donde su intervención es parte de esa imagen, de esta forma es como en aquel fragmento en el cual mi mirada es la que interviene una acción, esa acción pasa a ser parte de aquel fragmento único el cual es interpretado por la presencia de quien esta viendo la imagen, o sea, donde esa mirada es no solo para esa acción sino más bien forma parte de mi acción. Esto se refleja de tal forma en la película en donde se pueden identificar 2 puntos clave de ella, uno vendría a ser el protagonista fotógrafo, en donde de cierta manera la forma de seguimiento de él se vuelve como una fotografía. Son varias imágenes donde la intervención del director es la creadora de esta primera parte de la película. De este modo, la forma narrativa es el mismo dialogo de esta, junta cine y fotografía en esta primera parte de la película la cual yo designaría que es hasta el encuentro con la pareja en el parque, hay acciones donde la imagen es de forma en la que el protagonista es quien hace novelas o sea intervenciones, a través de los fragmentos que obtiene del espacio, y de otro modo es parte de una imagen la del Protagonista siendo intervenida por el guión del director, quien esta interviniendo y capturando al protagonista en todo momento, de una forma muy interesante juega con la forma de ser del personaje siendo este también el que interviene en sus imágenes.
Es aquí cuando la película invierte nuevamente la mirada y pasa en la película al protagonista a un segundo plano a través de las fotografías de la pareja, de esta forma si es que antes las fotografías era creadas a partir de fragmentos los cuales iban armando y completando una novela, la cual podrían posteriormente ser interpretadas, es ahora cuando las imágenes son aquellas que van a ser fragmentos claves para la interpretación de una acción siempre siendo acción y intervención lo clave de la imagen. La película técnicamente sigue en esta segunda parte de cierta forma comportándose como su dialogo, si es el protagonista de alguna forma el fotógrafo en primera instancia en donde en todo momento aparece, en la segunda etapa este desaparece y se hace protagonista la mujer en donde no aparece mas de una o dos veces en la película, pero si esta siempre presente en las imágenes.
En conclusión una imagen jamás podrá ser solo por la recopilación de fragmentos de imágenes sino que una imagen también estará compuesta por las intervenciones que estas tengan en relación a las acciones, esto podría ser total y absolutamente vinculable con la arquitectura de alguna u otra forma, una obra jamás podrá llegar a ser obra sin una intervención y una acción. De aquí se desprende que la importancia de toda imagen al comprender una acción e intervención siempre será parte del entendimiento de la cultura, y lo mismo parara con todas las obras, de esta forma funciona el arte, si es que en algunos casos parte por un mero capricho u obsesión, luego se trasforma en una imagen visionaria la cual nos ayuda a comprender y a entender cosas que todavía no pueden ser ni explicadas ni relatadas, pero que si son parte de nuestro mundo.
Sebastian Rodriguez
Blow up, Michelangelo Antonioni 1966
Al descomponer algo en partes más pequeñas podemos observar cosas nuevas. Gracias a los detalles se puede encontrar que la historia no era como se pensaba. En el caso de la película, cuando el fotógrafo se da cuenta que ampliando partes de la foto accedía a tejer la historia de un posible asesinato, uno como espectador se plantea la idea sobre la cual gira todo el relato:
La realidad es un acuerdo, un conjunto de situaciones que se toman por ciertas pero que a veces no lo son del todo, tal como lo decía Gabriel García Márquez “… pero siempre había otra verdad detrás de la verdad” (El otoño del patriarca, 1975).
Vivimos en una constante búsqueda, sin saber exactamente lo que buscamos y lo que ahora percibimos como real no necesariamente lo es. Si empezamos a desarmar lo que a nuestros ojos está dentro de algún límite formal, vamos a observar que está compuesto por otros tantos fragmentos que tienen un orden. Esas partículas a su vez se dividen en otras más pequeñas y mientras eso pasa, muchas historias ocurren. Muchas posibilidades se abren, como un fractal infinito. Mucho de lo que vemos es ilusión.
La película incorpora elementos que hasta cierto punto muestran lo que el cuento de Julio Cortázar (Las babas del diablo, 1959) no dice o sólo deja entrever, como el hecho de que las escenas se muestren desde ángulos casi siempre armónicos, como si fueran tomas de un fotógrafo experto que siempre está a la búsqueda de la mejor escena. Todo está inmerso en un ambiente de arte, fotografía y modelaje, e incluso los actores, hombres o mujeres que transitan como extras por la cinta, cumplen con los estándares apropiados.
Siempre en las tomas, se enfoca desde atrás de algún objeto y algo parecido es lo que hace Cortázar en su relato. Intercala elementos externos a la narración mientras llega al punto clave del joven, la mujer y el hombre del auto. Pone una serie de barreras traslúcidas para hilar la trama, guiar al lector y hacer un recorrido, como si de Arquitectura se tratara. Lo va conduciendo por una serie de puntos que se conectan, no como una sucesión de espacios articulados si no como una sustancia, tal como mencionaba Le Corbusier en la Promenade Architecturale.
Me parece interesante el hecho de que el fotógrafo no se hubiera dado cuenta del asesinato, si no hubiera ampliado la toma, y existiera la posibilidad de que ese hecho quedara escondido para siempre en la fotografía. Pero aún cuando el asesinato sí se ve, el fotógrafo no puede hacer nada, tal vez confirmando de alguna manera, que la función del fotógrafo es captar una imagen solamente, y no necesariamente juzgarla.
Carolina Ayala
Al leer el texto de las barbas del diablo y después de haber visto la película, note de inmediato la gran influencia que Antonioni tuvo en Cortazar, la película es mas bien una adaptación simple de la obra, lo cual es muy interesante ya que muestra como de las letras se puede llevar a la pantalla sin perder el sentido de lo que busca el texto.
Brevemente sintetizare la película porque creo que ahí esta la clave de cómo se relaciona este texto con el curso y con mi propia investigación.
La historia trata de un fotógrafo joven, talentoso aburrido de trabajar con personas por lo que se va una mañana a un parque a recobrar inspiración, estando en él ve a una pareja y comienza a sacarles fotos sin que se den cuenta, la mujer, al descubrirse fotografiada, se escandaliza y le pide al fotógrafo que le entregue el rollo a cualquier precio. El fotógrafo no le entrega el rollo, lo desarrolla en su taller y se da cuenta de un asesinato encubierto, que era toda la escena un montaje para matar a un hombre, al cual va a ver al día siguiente y comienza un cuestionamiento y se derrumba este hombre egocéntrico y comienza a buscar ayuda y es ahí donde la película muestra la realidad de aquel Londres de los jóvenes las realidad de los 60, hasta que este fotógrafo se queda solo en un mundo de silencios con los mimos como el de sus fotos
En la obra de Cortazar se puede apreciar mucho mejor ese tipo de cruce de la realidad, como él identifica las realidades al no saber como empezar a hablar si en primera persona segunda o tercera, o al imaginarse cosas, mas bien contextos en los cuales él esta presente, pero a la vez los cuenta y los ve desde afuera, es un ejercicio muy interesante y el cual da pistas para entenderla película.
Ambos personajes Cortazar y Antonioni tienden a separarse de los principios o dogmas de su época debido a que ellos se aventuran a mostrar distintas realidades llegando a veces a una libertad donde se tiende a perder lo obvio y se tiende a ser mucho más rico en el mensaje que da.
Al ver la película la relacione con uno de mis referentes Cartier Bresson obviamente de principio porque los dos son fotógrafos, pero mas que eso es debido a que en la película como en el texto dan a conocer algo que Cartier lo muestra y que es un reclamo político (es muy conocido el tinte político que Cortazar le da a sus obras debido a su propia experiencia) o un llamado de atención, si se quiere a algún acto, en el texto Cortazar dice lo siguiente “Entre las muchas maneras de combatir la nada, una de las mejores es sacar fotografías. Actividad que debiera enseñarse tempranamente a los niños pues exige disciplina, educación estética, buen ojo y dedos seguros (…) Cuando se anda con la cámara hay como el deber de estar atento, de no perder…”. Eso de estar atento a ver nuestro entorno también es una cosa que el arquitecto debería hacer como ejercicio siempre ser un crítico de la sociedad, objetivamente con el fin de poder mejorarla y que cartier bresson en sus fotos lo muestra, cartier por ejemplo muestra una sociedad en guerra, una sociedad en la que a su ojo lo entrena para poder mostrar la realidad que se vivia buscaba el momento para mostrar una realidad mas real que quizás la misma. En la película el actor por casualidad se encuentra en un segundo de su vida con una verdad con una revelación que es un accidente pero que lo saca de su mundo lo lleva a otro.
Al ver esta película me da a entender que él con el cuento de Cortazar la fotografía es una metáfora de lo que pasa en el arte y la relación que este tiene con la realidad, como es lo que pasa con Nicolas Rupcich cuando nos presento su trabajo, creo que sigue los mismos principios de cuestionamiento de la realidad dejando una duda de que es real y que no lo es.
Otro punto que me llamo la atención es el titulo de la obra, “Blow Up” que una de sus traducciones seria “Volar” pero que se ajusta mas a una que encontré que es el “Agrandar una foto” y que me pareció mas adecuada para este caso y que me hace mucho mas sentido porque se podría decir que es un proceso de una primaria realidad que seria la del fotógrafo en el lugar, una segunda realidad el objeto seleccionado, una tercera que sería la intriga que se genera al ver la angustia de la mujer y la cuarta que es descubrir lo falso de las anteriores.
rodrigo flores acevedo
Realidad Artificial
Relación entre Blow-up y Las Babas del Diablo
Creo que sé mirar, si es que algo sé, y que todo mirar rezuma falsedad, porque es lo que nos arroja más afuera de nosotros mismos, sin la menor garantía, en tanto que oler, o (pero Michel se bifurca fácilmente, no hay que dejarlo que declame a gusto). De todas maneras, si de antemano se prevé la probable falsedad, mirar se vuelve posible; basta quizá elegir bien entre el mirar y lo mirado, desnudar a las cosas de tanta ropa ajena. Y. claro, todo esto es más bien difícil.
Cuentos completos 1, Las Babas del Diablo, Julio Cortázar.
Me pareció muy interesante tener que hacer este trabajo, teniendo como principio mi gusto quizá excesivo por esta película, reconociéndome como fanática de esta y a su vez, siendo Cortázar uno de mis escritores favoritos. Me cuestiono un poco a manera personal cómo mi carrera ha cambiado un poco mi forma de relacionar el arte, tanto por lo cinematográfico como por lo escrito, digo esto basándome en que ya había hecho un análisis de esta misma relación (Cortázar – Antonioni) para un ramo de arte en el colegio y claramente hoy puedo ver con más amplitud de mente y con otra perspectiva cómo “las babas del diablo” condicionan de manera general y detallista a la película Blow-up.
Ahora bien, refiriéndome a esta relación puedo decir que existe un cuestionamiento constante de la realidad, del artificio de la vida en las ciudades desarrolladas en la década de los 60 como lo era Londres. Antonioni distorsiona la realidad a través de objetos tanto auditivos como visuales a manera de escenografía o contexto urbano.
Se muestra la vida de un fotógrafo popular, Thomas, como una vida vacía llena de objetos o artificios que cuestionan su vida a manera de entender que su propia existencia carece de una realidad común y que es parte de una escenografía del mundo de la moda, una escenografía plástica y quizás brillante, esto también sucede con la representación de Londres en la película, reflejando el estado enfermizo de las ciudades de los 60.
El sentido de la realidad distorsionada, realidad ficticia o no concreta se muestra en el cuento de Cortázar desde su inicio, donde se trata de contar la historia desde un tipo de narrador que no entiende cual es el tiempo de las cosas intentando modificarlo a través del lenguaje.
Por otra parte en Cortázar, se puede identificar en general su intención por reflejar la relación del hombre con la realidad y cómo el lenguaje actúa como intermediario.
“Nunca se sabrá cómo contar esto, si en primera persona o en segunda, usando la tercera del plural o inventando continuamente formas que no servirán de nada. Si se pudiera decir: yo vieron subir la luna, o: nos me duele el fondo de los ojos, y sobre todo así: tú la mujer rubia eran las nubes que siguen corriendo delante de mis tus nuestros vuestros sus rostros. Qué diablos.”
Cuentos completos 1, Las Babas del Diablo, Julio Cortázar.
En las Babas del Diablo, se cuenta una historia de la relación de un fotógrafo, Michael, con una pareja en una plaza, el fotógrafo identifica un aparente problema entre la mujer y el niño que la acompaña, teniendo presente la existencia de un tercero en la escena, un señor de sombrero que espera u observa desde un auto. Michael después de mucho tiempo de observar la escena y de cuestionar la presencia del niño en ésta, establece que éste se encuentra en peligro, asumiendo su postura de fotógrafo necesita tomar la imagen como registro, asumiendo también una realidad ficticia. A través de la fotografía como objeto y del acto de fotografiar, Michael libera al niño de esta supuesta situación de “crimen”, es sorprendido por la mujer y es capturado en el acto, sin embargo no entrega el rollo de la cámara. La realidad se distorsiona cuando desarrolla las fotografías, ya que medida que la imagen va a apareciendo atrapa y captura nuevamente al niño, dejándolo preso en la escena, que luego se modifica una y otra vez en la cabeza del fotógrafo, dejándolo libre nuevamente.
En Blow-up pasa algo similar, teniendo en cuenta que Antonioni saca el relato o argumento de la película del cuento de Cortázar, esta vez es Thomas quien se enfrenta a un parque en un contexto completamente distinto a Michael, y percibe cómo una pareja se abraza, él como fotógrafo popular que quiere captar cada imagen o escena toma estas fotografías sin percatarse de la importancia de este hecho, es visto por la mujer, y va.
La importancia de esta fotografía tiene relevancia cuando Thomas desarrolla las imágenes y hace muchos Blow-ups con esta, acercándose lo mas posibles a la realidad contextual de la imagen, y dándose cuenta que cada vez que amplía la imagen la realidad cambia, descontextualizando la imagen inicial. Ahí nace un cuestionamiento sobre la veracidad de las imágenes y sobre la aparente realidad que se muestra a través de estas.
“Curioso que la escena (la nada, casi: dos que están ahí, desigualmente jóvenes) tuviera como un aura inquietante. Pensé que eso lo ponía yo, y que mi foto, si la sacaba, restituiría las cosas a su tonta verdad.”
Cuentos completos 1, Las Babas del Diablo, Julio Cortázar.
Lo artificial de nuestra realidad diaria o cotidiana, y una excesiva y supuesta hiperrealidad de las imágenes tanto en el cuento como en la película son fundamentales a la hora de entender el argumento de éstas, induciendo a la veracidad de la imagen como eje fundamental, existe a su vez una reflexión o cuestionamiento sobre nuestras limitaciones o incapacidad para darnos cuenta qué es lo real y que es parte de nuestra imaginación, y cómo manipulamos las imágenes, tanto visuales como literarias para crear una realidad ajena a la común intentado siempre ver algo que va más allá de lo propio, así como una necesidad.
Se muestra como realidad, como evidencia imágenes fotográficas ampliadas y pixeladas denotando en la misma imagen que estas son objetos que se alejan completamente de la realidad.
El crimen en sí, tanto en la película como en el cuento, cuestiona la realidad, si es lo que captamos al presenciar un acto o lo que vemos a través de una imagen ampliada desde una cámara que captura de una imagen “ficticia” o … “real”.
“Michel sabía que el fotógrafo opera siempre como una permutación de su manera personal de ver el mundo por otra que la cámara le impone insidiosa (ahora pasa una gran nube casi negra), pero no desconfiaba, sabedor de que le bastaba salir sin la Contax para recuperar el tono distraído, la visión sin encuadre, la luz sin diafragma ni 1/250.”
Cuentos completos 1, Las Babas del Diablo, Julio Cortázar.
En una ciudad desarrollada como Londres, se muestra lo fantástico o no habitual como un permanente cuestionamiento de la realidad aparente y obvia, intentando liberarse, explorar otras realidades. “El fotógrafo es culpable de literatura, de fabricaciones irreales. Nada le gusta más que imaginar excepciones…”(1). En el cuento de Cortázar la fotografía esta propuesta como una metáfora del arte en su relación con la realidad.
En Blow-up, se muestra la distorsión de la realidad a través de la imagen desarrollada por un personaje y como su cuestionamiento incluso psicológico hace que se perciba un deseo enfermizo por descubrir una realidad inexistente, que viene desde el interior de la persona, en este caso de Thomas, pero también en el caso de quien la ve, como lo fue en el mío, donde trate de descubrir “el misterio” de la película y de las ampliaciones siempre buscando ir más allá.
“Cerrando los ojos, si es que los cerré, puse en orden la escena, los besos burlones, la mujer rechazando con dulzura las manos que pretenderían desnudarla como en las novelas, en una cama que tendría un edredón lila, y obligándolo en cambio a dejarse quitar la ropa”
Cuentos completos 1, Las Babas del Diablo, Julio Cortázar.
1) Julio Cortázar
Paulina Arancibia
Al terminar de ver la película me pareció que estaba muy influenciada por el movimiento mod ingles de los 60 por lo cual tenía esa huella psicodélica ya que es un film que muestra todas las excentricidades y exageraciones de una sociedad sin límites preocupada solo por la moda, ir a lugares de ocio con grupos musicales muy alternos, discos y muchas drogas para que el cuerpo aguantase tanta acción1, esto al principio me pareció un concepto muy superficial y un film un poco raro pero al ver también el corto de la promoción de la película en donde se dice que la realidad es la fantasía más extraña y que la belleza y lo bizarro toman nuevas formas y nuevas fascinaciones, me puse a reflexionar y comencé a entender el concepto de la película. Posteriormente cuando leí el texto de Julio Cortázar “Las barbas del Diablo”, entendí completamente el argumento de la película: la verdad no siempre es lo que parece o lo que para mí es la verdad para otros no puede serlo, como lo dice Cortázar casi al inicio del texto: “nadie sabe bien quién es el que verdaderamente está contando, si soy yo o eso que ha ocurrido, o lo que estoy viendo […] o si sencillamente cuento una verdad que es solamente mi verdad, y entonces no es la verdad salvo para mi estómago, para estas ganas de salir corriendo y acabar de alguna manera con esto, sea lo que fuere.”2
Esto me recordó a otra película que vi hace varios años, la “Ventana de Enfrente”3 que trata sobre una familia italiana de clase media que llevan una vida normal, en donde los padres tienen que trabajar para poder mantener y sacara adelante a sus hijos, pero este orden o tranquilidad de la familia se ve alterado cuando el padre lleva a la casa a un hombre amnésico que ha encontrado en la calle. La protagonista, que en este caso es la madre, al quererlo ayudar va descubriendo el pasado del hombre, pero lo va descubriendo de una forma muy parecida a la película de Blow- Up o sea va juntando los pequeños símbolos como el número que tenía tatuado en el antebrazo, su experiencia en el mundo de la pastelería, un nombre: Simone?, o las pocas palabras que el hombre le dice, todo esto al principio no tienen sentido y la van llevando a falsas conclusiones hasta que al final de la película se da cuenta de la realidad, Simone era el amor del hombre amnésico, y este amor era prohibido ya que en los años 20 no era posible que hubiera una relación amorosa entre dos hombres. Al último ella se queda sorprendida porque la realidad del hombre era muy bizarra y ella nunca se imagino que la realidad fuera esa.
En el caso de Blow- Up y del texto de Julio Cortázar, la historia se ve desarrollando en torno al objetivo de la cámara fotográfica y la observación o un tipo de estudio de las imágenes que obtuvo en el parque y que lo llevan a ir de ampliación en ampliación cuando descubre elementos interesantes que lo intrigan. El carácter ambiguo de la imagen como instrumento del conocimiento de la realidad es lo que se juzga. El protagonista es testigo de un crimen que al ojo desnudo no fue capaz de ver y cuando procura despejarse sus dudas a través de la observación de las imágenes que registró con su cámara de fotos no encuentra una respuesta cabal; la película va jugando entre la verdad y la fantasía, lo que fue y lo que pudo haber sido, lo que sucedió de verdad o lo que tal vez no sucedió nunca.
Este tipo de pensamiento es algo que influencio a Archigram y lo que pudo desencadenar sus ideologías y la línea de diseño que siguieron, un nuevo lenguaje que la gente normal no se percata, la fascinación del grupo por la imaginería los acercó al terreno de la ciencia ficción, o tal vez en realidad no era imaginería si no la verdad de cada uno de los integrantes, su verdad, la verdad para su estomago. Influenciados por este entorno social de los 60 en el que los jóvenes no tenían limites y de los adelantos tecnológicos y que sobre todo en Inglaterra se pusieron al alcance de los jóvenes ya que eran importantes para el estilo de vida mod porque tenían una ideología de no escatimar en gastos con tal de tener lo mejor y más moderno, siempre luchando por sus creencias.
En la película algo que se me hace fundamental para captar ese sentido de fantasía es la presencia del grupo de extrañas gentes con rostros pintados de blanco tipo mimos, con los cuales termina la película, esa escena del partido de tenis me llamo mucho la atención y me pareció como una alegoría de la realidad, fue una muy buena manera de concluir ya que aquí nos muestra de manera directa como el protagonista entra en este juego de realidades y al final desaparece y nos deja con la duda de si en verdad conocimos lo que paso o si sólo fue un ilusión.
Erika Valenzuela Alanis.
1. Londres 1960- 66 (3ª edición). Los Mods, los clubs, los grupos, la herencia.
2. Cortázar, J.”Las barbas del diablo.” 1959.
3. Película: “La ventana de enfrente.” 2003. Director: Ferzan Ozpetek.
Sin duda creo que el director trató de reflejar en la película el tema de las apariencias. De lo que es y no es real a simple vista. La película termina dejando al espectador dudando sobre lo que es o no es verdadero. También tiene un principio en el que el protagonista saca fotos de una modelo, de forma muy superficial. Lo que entendí es que la realidad donde vivimos es como una trampa. Cuando vemos en detalle la realidad, cuando la descomponemos en pequeñas partes ampliadas, llenas de nueva información que desconocíamos, descubrimos entonces secretos que se esconden en ella. Descubrimos que la realidad es distinta a como la percibimos. Este aspecto se ve reflejado en la película, en la parte en que el protagonista amplía las fotos, y descubre sorprendido un asesino y un cadáver, ambos pixelados.
Todo lo que vemos es en realidad superficial, y descubrimos lo verdadero, lo que se esconde tras lo superficial, cuando sabemos “mirar”. El concepto de la “mirada” se refleja tanto en la película, como en el cuento de Cortázar (Las Babas del diablo, 1959). Es interesante esta cita en el cuento de Cortázar: “Basta elegir bien entre mirar y lo mirado, desnudar a las cosas de tanta ropa ajena”. Es importante el proceso artístico que quiere mostrar el director, tanto del fotógrafo protagonista, como del amigo pintor en la película. El pintor, en la película, dice que cuando pinta, la pintura no le dice nada. Luego va descubriendo cosas, y al final todo se clarifica. El fotógrafo se pasea con su cámara en la mano, sin saber que encontrará realmente. Como dice el artista Gabriel Orozco, lo importante es salir a buscar cosas. Y uno siempre las encuentra, si sabe bien “mirar”. Lo importante es tener la “decisión”, y a continuación, disponer de la “mirada”.
Otro aspecto que se muestra, es cómo una pequeña acción que hagamos, algún paso que demos, aunque sea por puro azar, pueda llegar a adquirir suma importancia a la larga, y puede involucrar a otras personas (el fotógrafo, probablemente, salva sin querer al chico, en el cuento de Cortázar). La imagen toma mucha importancia en la película. En la trama final, todo se ve reducido a una imagen. El protagonista nunca presencia el crimen de la foto en la realidad. Lo va descubriendo poco a poco, a través de las imágenes contenidas en las fotografías, en su casa.
En definitiva, el director escoge para la película algunas ideas de Cortázar, y se podría decir, que, tanto en la película como en el cuento, hay un juego del concepto de ser o no ser. Como de ver o no ver el valor exacto de las cosas. En el final, el fotógrafo hace pensar al espectador que quizás nunca ocurrió el asesinato, al igual que la pelota imaginaria de los mimos se convierte en real.
Federico Menini
Proyecto 100 chairs in 100 days, by Gamper Martino
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