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TRABAJO EN CLASE EN EL LABORATORIO DE COMPUTACION N° 3 LLEVAR ARCHIVOS DIGITALES DE TODAS LAS OBRAS INVESTIGADAS HASTA EL MOMENTO

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La pelicula me pareció que quería demostrar una sociedad en cambio, versus la constante realidad permamente, la realidad de la pobreza, de los juegos, de las fiestas, de las manifestaciones, de las injusticias, de la ingenuidad , del amor…etc.

La cámara como protagonistra, es el medio que existe para dejar un registro de la realidad y no de cómo te lo pueden contar, tu lo ves, tu realidad te transporta  a ese momento , no existen supuestos, como en la literatura. Es quizás por esto, el carácter del fotógrafo, un carácter que pareciese que nada ya le importa, que ha fotografiado mucho y al cual hay que deberle respeto. Contrario a esto ridícula parece la escena en la cual vuelve  a fotografiar al hombre asesinado en el parque y se encuentra con que no esta el cuerpo, y mira hacia arriba, las hojas de los arboles como pidiendo que le contasen que fue lo sucedido..

La gracia de los objetos en la fotografía es que adquieren protagonismo. Nuestro hombre en cuestión, captura figuras humanas y como es que estas , en un contexto le dan carácter a la fotografía.  El tema el cual estoy utilizando para mi investigación, esta ligado a los objetos y como estos configuran espacios, es en la escena en la que el fotógrafo (¿) sale a la calle y grita esperando una respuesta de la gente, una respuesta natural, no una respuesta forzada como lo debe hacer con la fotografía  en su estudio, porque su realidad adquiera sentido, por encontrar una verdad, o simplemente por el hecho de gritar en las calles; donde veo reflejado más fuertemente el sentido del objeto como estructurador de una realidad; son las ventanas y puertas cerradas, los autos vacios y la calle, los que crean la sensación de ausencia y no lugar en esa escena, es exactamente la teatralidad escenográfica de una “ciudad vacia” lo logrado en esta escena, gracias a los diversos objetos que la conforman. El objeto habla por si solo, no necesita de un espacio habitable para que tome vitalidad. Su vitalidad es su ausencia. Es ese su protagonismo en esta escena.

Las escenas de la película están cargadas de contrastes, (planos fotográficos versus escenas es donde convergen texto y película) al igual que la realidad, al igual que la época que se estaba viviendo. Objetos que para algunos lo significan todo, para otros no tienen ningún valor y para otros pasan inadvertidos.(escena en la cual el fotógrafo sale de la tocata con un pedazo de la guitarra rota), para finalmente botarlo. Involucrarse con un objeto y darle un valor sentimental para el es absurdo. El solo vive de los momentos, y su rápido estilo de vida, solo descansa durante el periodo de búsqueda del asesinato.

El color blanco, en los personajes y en los cuadros, pareciera ser que quiere representar lo pasajero y transitorio de la vida, y el blanco de los mimos, quizás nos representan la realidad común, un lenguaje común , en el comienzo ,y al final talvez ,  una forma de representación de una realidad convergente en un mismo momento.

 

Camila Andujar

Video de [diluvio].Creado por:Niles Atallah, Joaquin Cociña, Cristóbal LeónJuly 12th, 2007 by Diluvio

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Pelicula recomendada.

“El realizador francés levanta aquí una crítica mucho más ácida contra la sociedad moderna, tecnificada y deshumanizada, en base a dos ejes narrativos: la industria de mangueras de su cuñado y la vivienda familiar de su hermana, ese domicilio completamente automatizado puesto al servicio de una nueva clase media-alta regida por lo superficial y lo frívolo, y con unas pretensiones de progreso tecnológico que no encuentra equivalente a nivel cultural.”

La Butaca.cl  [reseña de la pelicula] >> http://www.labutaca.net/films/30/mitio.htm

 

Intevenciones en el espacio público con minimos elementos

David Maisel

David Maisel (b. 1961) estudiante de arquitectura, arquitectura del paisaje, y la fotografía tanto en la Universidad Princeton como en Harvard, se Gradúa en la Escuela de Diseño – antes de su salida se dedica a la carrera fotográfica de jornada completa. Él ahora vive en la Bahía el Área, y expone internacionalmente.
En sus propias palabras, David tiene “una fascinación con el deshacer del paisaje.” Se ha hecho extensamente conocido por su trabajo aéreo, que incluye los estudios ampliados de minas norteamericanas, bosques netos, urbano, charcas de evaporación y otras industrias periféricas del Gran Lago de Sal.

 
 
 

 

“Nosotros habíamos soñado con construir ciudades, campos de torres brillantes, fantasías urbanas quisieron decir a la casa nuestras esperanzas de progreso; ahora buscamos paisajes desmontados, abandonados, derrumbándonos sobre ellos. Más bien que crear la siguiente utopía, destapamos los vestigios de tentativas fracasadas, pruebas de destrucción.”

Su trabajo consiste  en proporcionan una visión alternativa del paisaje, las perturbaciones humanas y la arquitectura del paisaje y la restauración ecológica. Lejos de la visión idílica, y escasamente real, de la fotografía de la naturaleza, se sitúa el trabajo de David Maisel. No pretende convertir antiguos paisajes industriales en nuevos jardines, sólo recuperarlos ambientalmente al tiempo que conservan su valor cultural.
Madisel utiliza la imagen aérea para captar la estética y evolución de paisajes alterados por el hombre (minas, zonas urbanas, lagos desecados y contaminados, nubes de contaminantes, …). Un  “fotógrafo de la naturaleza”, que se interesa no por la belleza de la naturaleza inalterada sino por los paisajes modificados por el hombre.

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Animación y grafiti en el espacio público

visualcomplexity

AAir.FM

video

 

BIO

VANESSA BEECROFT

http://www.clipstampfold.com/

VIDEO

Date: 8 April 2008
Venue: Tate Modern

Herzog & de Meuron, architects of Tate Modern, present the National Stadium for the 2008 Olympic Games in Beijing. With an almost circular footprint, the bowl-like stadium, which seats 91,000, containing a network of bars, restaurants, hotels and shops, is expected to become a vital, urban space with a future beyond the Olympics.

Part of Real Architecture Spring 2008

Curated by The Architecture Foundation
Sponsored by Davis Langdon LLP

El tema de la realidad, a sido cuestionado desde siempre , si es real lo q existe , lo que vemos o lo que creemos ver : estos son los temas que relacionan ambas obras a comparar, tanto la obra literaria de Julio Cortázar Las babas del diablo (1959) como la que fue inspirada con este mismo  al   director Antonioni  en su obra cinematográfica Blow-Up (1966), ambas toman esta problemática pero visto desde el  lente de una cámara fotográfica, la que se ve reflejada en las fotos , estas dan cuenta  distintas realidades  las cuales al ampliar las mismas dan a conocer una versión detallada  la que ha su vez  vuelven a ser ampliadas y  vuelven a plasmar otra realidad minima , las que en su totalidad conforman una historia que no se percibió  en el momento  de la captura del lente   y que al congelar este y descomponerla , nos muestra la verdad del momento; pero la verdad es relativa , depende de quien la perciba, de cómo llegue a interpretar lo que esta   a primera vista ¡!!! Y si a esta misma hacemos zoom hasta llegar a lo mas mínimo (hasta llegar al pixel)  nuestra  interpretación volverá a cambiar ( la que podríamos resumir en un constante proceso de análisis) esto se percibe en la película como el  enigma de un crimen a partir del análisis de una serie de fotografías que se realizaron, las cuales las analiza  y que amplía en sucesivos “blow-ups” )

 

1-“Que había tomado  por una pareja  se parecía mucho mas  a un chico con su madre, aunque al mismo tiempo  me daba cuenta de que no era un chico con su madre, de que era una pareja”.

2- “creo que se mirar, si es que algo se, y que todo mirar resuma falsedad”

 Texto  las Babas del Diablo

 

Tras estas dos frases  sacadas del relato se  plantea el acto de mirar dándose la diferencia entre mirar y lo mirado. La película toma la esencia del texto.

 

 

“[…] su héroe favorito es el que mira. Es peligroso, ya que al observar, al mirar más tiempo del necesario […], se desequilibra el orden establecido, en tanto que, normalmente, el tiempo exacto de una mirada es algo que dicta la sociedad”. (Roland Barthes)

 

A partir de esta cita se puede concluir que la mirada tiene un tiempo determinado, mas allá de este  la imaginación comienza a interceder en lo que estamos viendo  y comienza también una interpretación distinta.

 

 

“Cuando se utilizan ampliadoras […] pueden verse cosas que probablemente el ojo desnudo no sería capaz de captar […]. El fotógrafo de BLOW UP, que no es un filósofo, quiere ver las cosas más de cerca. Pero lo que sucede es que, al ampliarlas demasiado, el objeto se desintegra y desaparece. por lo tanto, hay un momento en que asimos la realidad, pero ese momento pasa. Este es en parte el significado de BLOW UP(Michelangelo Antonioni)

 

El juego entre la verdad y la fantasía, lo que fue y lo que pudo haber sido, lo que sucedió de verdad o lo que tal vez no sucedió nunca; Esta es la temática que toma el protagonista  la que a su vez se inserta en un contexto histórico de Londres de los 60, en pleno movimiento mod. (Modernista) donde al término de la película queda la sensación de no saber si lo que ocurrió es verídico o eso fue todo producto de solo un espejismo.

 

 

 

 

Katherinne Flores

Blow – up y las babas del diablo, aparecen como la transformación del cine y de la literatura respectivamente a una escenificación dentro de la obra misma a través de la fotografía, es decir, esta última actúa como mecanismo para, a través de dos géneros distintos, desarrollar una historia o drama que se genera desde una imagen (foto).

 

Es clara  la forma en que Antonioni se basa en la obra de Cortázar, muy evidente con una trama casi exacta en el momento en que se toman las fotografías, pero al mismo tiempo, con diferencias bastante importantes respecto al escenario social y a la personalidad  de los dos protagonistas.

En el caso de las Babas del diablo, hay sólo una descripción vaga de la ciudad de París, se crea une escenario otoñal para desarrollarla, pero no sobrepasa más allá. El caso de  Blow- up es distinto. Antonioni tiene una preocupación clara, desde el comienzo de la película  de demarcar un contexto social  en el Londres de los 60, marcado por el swinging London, las expresiones culturales que se vivían en ese minuto,  la importancia del tema de la moda, todo retomando a Londres como ciudad que  crecía económicamente.   Es ahí donde también el protagonista de Blow-up comienza a tomar distancia de Michel, ya que él esta completamente involucrado con este contexto que se estaba creando en Londres, de forma artificial, a través de su trabajo como fotógrafo de Modas.   Michel  se ve como un personaje más austero, sin muchas aspiraciones que no toma la fotografía como una fuente de ingresos.

 

Podríamos decir que la obra de Antonioni es una intensificación de  las babas del diablo.  El cuento de Cortazar habla de una realidad escondida, detrás de la banalidad de todos, algo secreto  que se aleja de lo cotidiano, es decir, elementos que sólo pueden ser encontrados  a través de la observación minuciosa.  Es el mensaje que Antonioni rescata y le da mayor poder. Exhibiendo  a un personaje totalmente comido por este mundo superficial, cayendo en el sector más frívolo de la fotografía, alejado de una realidad, un hombre que vive su vida sin la necesidad de otros, sólo con la intención de que otros le sirvan. Tiene, entonces una ilusión falsa de la realidad y a fin de cuentas, la película es el camino que usa para llegar a algo más real, para acercarse a un paisaje real, lejos de su estudio de fotografía.

 

Es ahí donde la fotografía juega este papel de traspaso de una no realidad a una realidad.  Las dos fotos, las de ambas obras, hablan de algo silencioso, similar a los mimos de Blow-up, que puede ser revelado al minuto de observar con detención, de ampliar la foto y de acercarse  a una realidad lejana,  se trata de que no todo es lo que parece.

“Cuando se utilizan ampliadora (…) pueden verse cosas que probablemente el ojo desnudo no sería capaz de captar” (Michelangelo Antonioni)

Ambos protagonistas, como todo fotógrafo, tienen sed de acercarse a la vida e historia de otros, a tratar de captar sus momentos íntimos, a dejar de lado la privacidad. Los argumentos son los mismos, todos pueden sacar fotos en espacios públicos libremente.

Y es en ese espacio público, donde se habla de dos realidades también presentes en ambas obras; Una, el espacio público o parque, otra el lugar de trabajo, cerrado, el lugar donde observar lentamente, donde entrar a esta realidad, que si, es realidad pero está escondida en una foto.

 

Se observan dos procesos distintos, uno, el  de las babas del diablo, en que a través de la imaginación el fotógrafo comienza a percibir una historia entre ciertos personajes y que al ampliarla y observarla constantemente adquiere un poder y grandeza que hacen sentir al protagonista preso de esta realidad escondida, del verdadero significado de la foto, de que hay una historia importante tras todas las imágenes captadas.  Otro proceso, el del protagonista de Blow-up, tiene que ver  con una ampliación y acercamiento de la foto que va creando situaciones, se van develando cosas escondidas, alejando la imaginación.

 

Ambos entonces, son presos de lo que estas fotografías les producen, ambos protagonistas se obsesionan con esta forma de ver la realidad, la fotografía, y es entonces ésta la encargada de revelar esta realidad tapada.

 

 

Magdalena Vidal del Valle

 

 

Comentario Sofía Valdivieso

En relación, al el texto “Las Babas del Diablo” de Julio Cortázar que inspiró al autor Michelangelo Antonioni   Blow up, 1966, realizaré una apreciación personal, a través de tres aproximaciones, con respecto a evidenciar y relacionar vínculos implícito y explícitos entre estas obras (literaria y cinematográfica).

En base a 3 aproximaciones:

·         C O N T E X T O__ reflejo de una sociedad  / maquillaje que oculta la realidad.

·         F O T O S__ plasma fragmentos de una realidad  / esconde otra verdad, la imagen.

·         F O T Ó G R A F O__ interpretación al seleccionar fragmentos  / obsesión por retener momentos y sensaciones.

 

·         C O N T E X T O__ reflejo de una sociedad  / “maquillaje” que oculta la realidad.

La película me llamó la atención que refleja una atmósfera de la sociedad,  de los años 60 en Londres, “en pleno festival de la psicodelia, las drogas y los desastrados, en donde claramente, a través, de la estética imperante en moda, diseño interior, hábitos de modelos, fotos y maniquís” 2. Se muestra una realidad superficial que por medio de un “maquillaje” oculta la realidad. Esta idea se vincula con la siguiente aproximación, sobre la discusión de esta realidad escondida, en donde una imagen, oculta en sus fragmentos la verdad.

La imagen oculta la realidad, la verdad que depende de la selección de fragmentos por quien la captura, muchas veces ni el mismo se da cuenta de esa realidad. Me refiero a que en esta película se muestra como el fotógrafo ingenuamente, obsesionado por capturar momentos, registra imágenes, que ocultan otra realidad, que se evidencia o se hace presente la verdad, al fragmentar las partes de la imagen.

“Hombre llegó a la luna” 

 

·         F O T O S__ plasma fragmentos de una realidad  / esconde otra verdad, la imagen

 

 “Lo que el ojo no pudo ver a simple vista, queda capturado por las sensibles piezas de una cámara fotográfica. Un asesinato puede ser aclarado con tan sólo ampliar y ampliar…” 2

Curioso que la escena (la nada, casi: dos que están ahí, desigualmente jóvenes) tuviera como un aura inquietante. Pensé que eso lo ponía yo, y que mi foto, si la sacaba, restituiría las cosas a su tonta verdad.” 1

Al referirme sobre la fotografía que es un registro, aunque  tenga una interpretación o un enfoque personal, la imagen siempre sigue mostrando veracidad. Pero en la película, se muestra que la imagen en esta caso esconde la realidad,  que de alguna manera con un gesto de fragmentar la imagen, da a conocer sus partes, que en este caso era ampliar y ampliar la fotografía nos permite conocer la verdad que oculta.  Lo que me llama la atención de esto, es que se pone en discusión el tema de hasta qué punto una imagen es  real. Me recuerda un ejemplo concreto, del Hombre cuando llega a la luna, la imagen en los videos, muestran que el hecho ocurrió, que es una evidencia, pero como podemos comprobar que no es otra realidad, quizás si fragmentáramos la imagen, en sus partes estaría la realidad que oculta, si es que la oculta.

 

·         F O T Ó G R A F O__ interpretación al seleccionar fragmentos  / obsesión por retener momentos y sensaciones.

“Levanté la cámara, fingí estudiar un enfoque que no los incluía, y me quedé al acecho, seguro de que atraparía por fin el gesto revelador, la expresión que todo lo resume, la vida que el movimiento acompasa pero que una imagen rígida destruye al seccionar el tiempo, si no elegimos la imperceptible fracción esencial. No tuve que esperar mucho.” 1

“Cuando se anda con la cámara hay como el deber de estar atento, de no perder ese brusco y delicioso rebote de un rayo de sol en una vieja piedra, o la carrera trenzas al aire de una chiquilla que vuelve con un pan o una botella de leche. Michel sabía que el fotógrafo opera siempre como una permutación de su manera personal de ver el mundo.” 1

 

Lo que me impresionó con respecto al fotógrafo en la película, se evidencia en las citas anteriores, en  la idea de capturar un momento o una sensación a como dé lugar, sin  saber porque o con qué fin. A mí juicio, hay una obsesión por detener el tiempo, para acumulación información.  Creo que eso te impide mirar la esencia o verdad de la realidad de un determinado momento, lugar o sensación.

Vinculé de inmediato, esta acumulación que no te deja ver la realidad, como cuando a veces la gente al viaja se transforma en “turista”,  sacando fotos de todos lados para evidenciar que estuvo ahí y luego se va, pensando que así conocería el lugar, limitando la manera de conocer y observar. El fotógrafo, debería realizar una selección de la información, debería aprender a mirar a través de su cámara y usarla como un filtro personal de la realidad. Esto se vincula con el siguiente párrafo:  

“Creo que sé mirar, si es que algo sé, y que todo mirar rezuma falsedad, porque es lo que nos arroja más afuera de nosotros mismos, sin la menor garantía, en tanto que oler, o (pero Michel se bifurca fácilmente, no hay que dejarlo que declame a gusto). De todas maneras, si de antemano se prevé la probable falsedad, mirar se vuelve posible; basta quizá elegir bien entre el mirar y lo mirado, desnudar a las cosas de tanta ropa ajena.” 1

 

Para finalizar quiero dejar en claro lo que rescato de haber leído, he visto la película. Por un lado es interesante, ver de qué manera las disciplinas se relacionan, se producen vínculos, (objetivo del curso), en este caso entre una obra literaria, inspiró al autor en la película, para generar un discusión frente a temas vinculados al arte, con respecto ¿hasta qué punto la fotografía es fiel muestra de la realidad?, ¿podemos llegar  a la verdad de la imagen, sólo al ver los fragmento de ella?.

Por otra parte, con respecto a la obsesión plasmada en el texto y la película del fotógrafo por acumular información, creo que se vincula con lo propuesto por en la exposición Nicolás Rupcich, el jueves 10 de abril, en un aspecto en el volumen de la información que de alguna manera acumular información interviene la idea real de los hechos, si no se filtra esa acopio. ¿En qué medida la imagen es reflejo de la realidad?, ¿de qué manera realizamos una selección de la información que tenemos? ¿Sabemos observar?, que debería ser mas allá de algo formal, sino más bien en relación  a seleccionar lo que miramos y como miramos.

 

1 “Las babas del diablo” (Las armas secretas, 1959), Julio Cortázar       

2  Andrés San Martín, reseña de la película.

 

 

Fue en aquel fragmento de idea que hizo su mirada, esta frase es clave para entender el desarrollo de la película, las imágenes son fragmentos, de los cuales requieren de nuestra intervención para así poder entenderlos e interpretarlos, por lo tanto es así como toda imagen no solo debe de remitirse a entenderse solo a un fragmento objetivo del espacio, sino mas bien una imagen es una acción en donde su intervención es parte de esa imagen, de esta forma es como en aquel fragmento en el cual mi mirada es la que interviene una acción, esa acción pasa a ser parte de aquel fragmento único el cual es interpretado por la presencia de quien esta viendo la imagen, o sea, donde esa mirada es no solo para esa acción sino más bien forma parte de mi acción. Esto se refleja de tal forma en la película en donde se pueden identificar 2 puntos clave de ella, uno vendría a ser el protagonista fotógrafo, en donde de cierta manera la forma de seguimiento de él se vuelve como una fotografía. Son varias imágenes donde la intervención del director es la creadora de esta primera parte de la película. De este modo, la forma narrativa es el mismo dialogo de esta, junta cine y fotografía en esta primera parte de la película la cual yo designaría que es hasta el encuentro con la pareja en el parque, hay acciones donde la imagen es de forma en la que el protagonista es quien hace novelas o sea intervenciones, a través de los fragmentos que obtiene del espacio, y de otro modo es parte de una imagen la del Protagonista siendo intervenida por el guión del director, quien esta interviniendo y capturando al protagonista en todo momento, de una forma muy interesante juega con la forma de ser del personaje siendo este también el que interviene en sus imágenes.

Es aquí cuando la película invierte nuevamente la mirada y pasa en la película al protagonista a un segundo plano a través de las fotografías de la pareja, de esta forma si es que antes las fotografías era creadas a partir de fragmentos los cuales iban armando y completando una novela, la cual podrían posteriormente ser interpretadas, es ahora cuando las imágenes son aquellas que van a ser fragmentos claves para la interpretación de una acción siempre siendo acción y intervención lo clave de la imagen. La película técnicamente sigue en esta segunda parte de cierta forma comportándose como su dialogo, si es el protagonista de alguna forma el fotógrafo en primera instancia en donde en todo momento aparece, en la segunda etapa este desaparece y se hace protagonista la mujer en donde no aparece mas de una o dos veces en la película, pero si esta siempre presente en las imágenes.

En conclusión una imagen jamás podrá ser solo por la recopilación de fragmentos de imágenes sino que una imagen también estará compuesta por las intervenciones que estas tengan en relación a las acciones, esto podría ser total y absolutamente vinculable con la arquitectura de alguna u otra forma, una obra jamás podrá llegar a ser obra sin una intervención y una acción. De aquí se desprende que la importancia de toda imagen al comprender una acción e intervención siempre será parte del entendimiento de la cultura, y lo mismo parara con todas las obras, de esta forma funciona el arte, si es que en algunos casos parte por un mero capricho u obsesión, luego se trasforma en una imagen visionaria la cual nos ayuda a comprender y a entender cosas que todavía no pueden ser ni explicadas ni relatadas, pero que si son parte de nuestro mundo.

Sebastian Rodriguez

 

Blow up, Michelangelo Antonioni  1966

 

 

      Al descomponer algo en partes más pequeñas podemos observar cosas nuevas. Gracias a  los detalles se puede encontrar  que la historia no era como se pensaba. En el caso de la película, cuando el fotógrafo se da cuenta que ampliando partes de la foto accedía a tejer la historia de un posible asesinato, uno como espectador se plantea la idea sobre la cual gira todo el relato: 

 La realidad es un acuerdo, un conjunto de situaciones que se toman por ciertas pero que a veces no lo son del todo, tal como lo decía Gabriel García Márquez  “… pero siempre había otra verdad detrás de la verdad” (El otoño del patriarca, 1975).

 

            Vivimos en una constante búsqueda, sin saber exactamente lo que buscamos y lo que ahora percibimos como real no necesariamente lo es. Si empezamos a desarmar lo que a nuestros ojos está dentro de algún límite formal, vamos a observar que está compuesto por otros tantos  fragmentos  que tienen un orden. Esas partículas a su vez se dividen en otras más pequeñas y mientras eso pasa, muchas historias ocurren. Muchas posibilidades se abren, como un fractal infinito. Mucho de lo que vemos es ilusión.

 

            La película incorpora elementos que hasta cierto punto muestran  lo que el cuento de Julio Cortázar (Las babas del diablo, 1959) no dice o sólo deja entrever,  como el hecho de que las escenas se muestren desde ángulos casi siempre armónicos, como si fueran tomas de un fotógrafo experto que siempre está a la búsqueda de la mejor escena.   Todo está inmerso en un ambiente de arte, fotografía y modelaje,  e incluso los actores, hombres o mujeres que transitan como extras por la cinta,  cumplen con los estándares apropiados.

            Siempre en las tomas, se enfoca desde atrás de algún objeto y  algo parecido es lo que hace Cortázar en su relato. Intercala elementos externos a la narración mientras llega al punto clave del joven, la mujer y el hombre del auto. Pone una serie de barreras traslúcidas para hilar la trama, guiar al lector y hacer un recorrido, como si de Arquitectura se tratara. Lo va conduciendo por una serie de puntos que se conectan, no como una sucesión de espacios articulados si no como una sustancia, tal como mencionaba Le Corbusier en la Promenade Architecturale.

            Me parece interesante el hecho de que  el fotógrafo no se hubiera dado cuenta del asesinato, si no hubiera ampliado  la toma, y existiera la posibilidad de que ese hecho quedara escondido para siempre en la fotografía.   Pero aún cuando el asesinato sí se ve, el fotógrafo no puede hacer nada, tal vez confirmando de alguna manera, que la función del fotógrafo es captar una imagen solamente, y no necesariamente juzgarla.

           

Carolina Ayala

 

 

 

Al leer el texto de las barbas del diablo y  después de haber visto la película, note de inmediato la gran influencia que Antonioni tuvo en Cortazar, la película es mas bien una adaptación simple de la  obra, lo cual es muy interesante ya que muestra  como de las letras se puede llevar a la pantalla sin perder el sentido de lo que busca el texto.

 

Brevemente sintetizare la película porque creo que ahí esta la clave de cómo se relaciona este texto con el curso y con mi propia investigación.

 

La historia trata de un fotógrafo joven, talentoso aburrido de trabajar con personas por lo que se va una mañana a un parque a recobrar inspiración, estando en él ve a una pareja y comienza a sacarles fotos sin que se den cuenta, la mujer, al descubrirse fotografiada, se escandaliza y le pide al fotógrafo que le entregue el rollo a cualquier precio. El fotógrafo no le entrega el rollo,  lo desarrolla en su taller y se da cuenta de un asesinato encubierto,  que era toda la escena  un montaje para matar a un hombre, al cual va a ver al día siguiente y comienza un cuestionamiento y se derrumba este hombre egocéntrico y comienza a buscar ayuda y es ahí donde la película muestra la realidad de aquel Londres de los jóvenes las realidad de los 60, hasta que este fotógrafo se queda solo en un mundo de silencios con los mimos  como el de sus fotos

 

En la obra de Cortazar se puede apreciar mucho mejor ese tipo de cruce de la realidad, como él identifica las realidades al no saber como empezar a hablar si en primera persona segunda o tercera, o al imaginarse cosas,  mas bien contextos en los cuales él esta presente, pero a la vez los cuenta y los ve desde afuera, es un ejercicio muy interesante y el cual da pistas para entenderla película.

 

Ambos personajes Cortazar y Antonioni tienden a separarse de los principios o dogmas de su época debido a que ellos se aventuran a mostrar distintas realidades llegando a veces a una libertad donde se tiende a perder lo obvio y se tiende a ser mucho más rico en el mensaje que da.

 

Al ver la película la relacione con uno de mis referentes Cartier Bresson obviamente de principio porque los dos son fotógrafos, pero mas que eso es debido a que en la película como en el texto dan a conocer algo que Cartier lo muestra y que es un reclamo político (es muy conocido el tinte político que Cortazar le da a sus obras debido a su propia experiencia)  o un llamado de atención, si se quiere  a algún acto, en el texto Cortazar dice lo siguiente “Entre las muchas maneras de combatir la nada, una de las mejores es sacar fotografías. Actividad que debiera enseñarse tempranamente a los niños pues exige disciplina, educación estética, buen ojo y dedos seguros (…) Cuando se anda con la cámara hay como el deber de estar atento, de no perder…”. Eso de estar atento a ver nuestro entorno también es una cosa que el arquitecto debería hacer como ejercicio siempre ser un crítico de la sociedad, objetivamente con el fin de poder mejorarla y que cartier bresson en sus fotos lo muestra, cartier por ejemplo muestra una sociedad en guerra, una sociedad en la que a su ojo lo entrena para poder mostrar la realidad que se vivia buscaba el momento para mostrar una realidad mas real que quizás la misma. En la película el actor por casualidad se encuentra en un segundo de su vida con una verdad con una revelación que es un accidente pero que lo saca de su mundo lo lleva a otro.

 

Al ver esta película me da a entender que él con el cuento de Cortazar la fotografía es una metáfora de lo que pasa en el arte y la relación que este tiene con la realidad, como es  lo que pasa con Nicolas Rupcich cuando nos presento su trabajo, creo que sigue los mismos principios de cuestionamiento de la realidad dejando una duda de que es real y que no lo es.

 

Otro punto que me llamo la atención es el titulo de la obra, “Blow Up”  que una de sus traducciones seria “Volar” pero que se ajusta mas a una que encontré que es el “Agrandar una foto”  y que me pareció mas adecuada  para este caso y que me hace mucho mas sentido porque se podría decir que es un proceso de una primaria realidad que seria la del fotógrafo en el lugar, una segunda realidad el objeto seleccionado, una tercera que sería la intriga que se genera al ver la angustia de la mujer y la cuarta que es descubrir lo falso de las anteriores. 

 

rodrigo flores acevedo

Realidad Artificial

Relación entre Blow-up y Las Babas del Diablo

Creo que sé mirar, si es que algo sé, y que todo mirar rezuma falsedad, porque es lo que nos arroja más afuera de nosotros mismos, sin la menor garantía, en tanto que oler, o (pero Michel se bifurca fácilmente, no hay que dejarlo que declame a gusto). De todas maneras, si de antemano se prevé la probable falsedad, mirar se vuelve posible; basta quizá elegir bien entre el mirar y lo mirado, desnudar a las cosas de tanta ropa ajena. Y. claro, todo esto es más bien difícil.

Cuentos completos 1, Las Babas del Diablo, Julio Cortázar.

 

                     

Me pareció muy interesante tener que hacer este trabajo, teniendo como principio mi gusto quizá excesivo por esta película, reconociéndome como fanática de esta y a su vez, siendo Cortázar uno de mis escritores favoritos. Me cuestiono un poco a manera personal cómo mi carrera ha cambiado un poco mi forma de relacionar el arte, tanto por lo cinematográfico como por lo escrito, digo esto basándome en que ya había hecho un análisis de esta misma relación (Cortázar – Antonioni) para un  ramo de arte en el colegio y claramente hoy puedo ver con más amplitud de mente y con otra perspectiva cómo “las babas del diablo” condicionan de manera general y detallista a la película Blow-up.  

Ahora bien, refiriéndome a esta relación puedo decir que existe un cuestionamiento constante de la realidad, del artificio de la vida en las ciudades desarrolladas en la década de los 60 como lo era Londres. Antonioni distorsiona la realidad a través de objetos tanto auditivos como visuales a manera de escenografía o contexto urbano.

Se muestra la vida de un fotógrafo popular, Thomas, como una vida vacía llena de objetos o artificios que cuestionan su vida a manera de entender que su propia existencia carece de una realidad común y que es parte de una escenografía del mundo de la moda, una escenografía plástica y quizás brillante, esto también sucede con la representación de Londres en la película, reflejando el estado enfermizo de las ciudades de los 60.

                  

El sentido de la realidad distorsionada, realidad ficticia o no concreta se muestra en el cuento de Cortázar desde su inicio, donde se trata de contar la historia desde un tipo de narrador que no entiende cual es el tiempo de las cosas intentando modificarlo a través del lenguaje.

Por otra parte  en Cortázar, se puede identificar en general su intención por reflejar la relación del hombre con la realidad y cómo el lenguaje actúa como intermediario.  

 

 

“Nunca se sabrá cómo contar esto, si en primera persona o en segunda, usando la tercera del plural o inventando continuamente formas que no servirán de nada. Si se pudiera decir: yo vieron subir la luna, o: nos me duele el fondo de los ojos, y sobre todo así: tú la mujer rubia eran las nubes que siguen corriendo delante de mis tus nuestros vuestros sus rostros. Qué diablos.”

Cuentos completos 1, Las Babas del Diablo, Julio Cortázar.

 

En las Babas del Diablo, se cuenta una historia de la relación de un fotógrafo, Michael, con una pareja en una plaza, el fotógrafo identifica un aparente problema entre la mujer y el niño que la acompaña, teniendo presente la existencia de un tercero en la escena, un señor de sombrero que espera u observa desde un auto. Michael después de mucho tiempo de observar la escena y de cuestionar la presencia del niño en ésta, establece que éste se encuentra en peligro, asumiendo su postura de fotógrafo necesita tomar la imagen como registro, asumiendo también una realidad ficticia. A través de la fotografía como objeto y del acto de fotografiar, Michael libera al niño de esta supuesta situación de “crimen”, es sorprendido por la mujer y es capturado en el acto, sin embargo no entrega el rollo de la cámara. La realidad se distorsiona cuando desarrolla las fotografías, ya que medida que la imagen va a apareciendo atrapa y captura nuevamente al niño, dejándolo preso en la escena, que luego se modifica una y otra vez en la cabeza del fotógrafo, dejándolo libre nuevamente.

En Blow-up pasa algo similar, teniendo en cuenta que Antonioni saca el relato o argumento de la película del cuento de Cortázar, esta vez es Thomas quien se enfrenta a un parque en un contexto completamente distinto a Michael, y percibe cómo una pareja se abraza, él como fotógrafo popular que quiere captar cada imagen o escena toma estas fotografías sin percatarse de la importancia de este hecho, es visto por la mujer, y va.

 

                     

La importancia de esta fotografía tiene relevancia cuando Thomas desarrolla las imágenes y hace muchos Blow-ups con esta, acercándose lo mas posibles a la realidad contextual de la imagen, y dándose cuenta que cada vez que amplía la imagen la realidad cambia, descontextualizando la imagen inicial. Ahí nace un cuestionamiento sobre la veracidad de las imágenes y sobre la aparente realidad que se muestra a través de estas.

 

Curioso que la escena (la nada, casi: dos que están ahí, desigualmente jóvenes) tuviera como un aura inquietante. Pensé que eso lo ponía yo, y que mi foto, si la sacaba, restituiría las cosas a su tonta verdad.”

Cuentos completos 1, Las Babas del Diablo, Julio Cortázar.

 

Lo artificial de nuestra realidad diaria o cotidiana, y una excesiva y supuesta hiperrealidad de las imágenes tanto en el cuento como en la película son fundamentales a la hora de entender el argumento de éstas, induciendo a la veracidad de la imagen como eje fundamental, existe a su vez una reflexión o cuestionamiento sobre nuestras limitaciones o incapacidad para darnos cuenta qué es lo real y que es parte de nuestra imaginación, y cómo manipulamos las imágenes, tanto visuales como literarias para crear una realidad ajena a la común intentado siempre ver algo que va más allá de lo propio, así como una necesidad.

Se muestra como realidad, como evidencia imágenes fotográficas ampliadas y pixeladas denotando en la misma imagen que estas son objetos que se alejan completamente de la realidad.

El crimen en sí, tanto en la película como en el cuento, cuestiona la realidad, si es lo que captamos al presenciar un acto o lo que vemos a través de una imagen ampliada desde una cámara que captura de una imagen “ficticia” o … “real”. 

Michel sabía que el fotógrafo opera siempre como una permutación de su manera personal de ver el mundo por otra que la cámara le impone insidiosa (ahora pasa una gran nube casi negra), pero no desconfiaba, sabedor de que le bastaba salir sin la Contax para recuperar el tono distraído, la visión sin encuadre, la luz sin diafragma ni 1/250.”

Cuentos completos 1, Las Babas del Diablo, Julio Cortázar.

 

En una ciudad desarrollada como Londres, se muestra lo fantástico o no habitual como un permanente cuestionamiento de la realidad aparente y obvia, intentando liberarse, explorar otras realidades. “El fotógrafo es culpable de literatura, de fabricaciones irreales. Nada le gusta más que imaginar excepciones…”(1). En el cuento de Cortázar la fotografía esta propuesta como una metáfora del arte en su relación con la realidad.

En Blow-up, se muestra la distorsión de la realidad a través de la imagen desarrollada por un personaje y como su cuestionamiento incluso psicológico hace que se perciba un deseo enfermizo por descubrir una realidad inexistente, que viene desde el interior de la persona, en este caso de Thomas, pero también en el caso de quien la ve, como lo fue en el mío, donde trate de descubrir “el misterio” de la película y de las ampliaciones siempre buscando ir más allá.

 

                   

“Cerrando los ojos, si es que los cerré, puse en orden la escena, los besos burlones, la mujer rechazando con dulzura las manos que pretenderían desnudarla como en las novelas, en una cama que tendría un edredón lila, y obligándolo en cambio a dejarse quitar la ropa”

Cuentos completos 1, Las Babas del Diablo, Julio Cortázar.

1) Julio Cortázar

Paulina Arancibia 

 

Al terminar de ver la película me pareció que estaba muy influenciada por el movimiento mod ingles de los 60 por lo cual tenía esa huella psicodélica ya que es un film que muestra todas las excentricidades y exageraciones de una sociedad sin límites preocupada solo por la moda, ir a lugares de ocio con grupos musicales muy alternos, discos y muchas drogas para que el cuerpo aguantase tanta acción1, esto al principio me pareció un concepto muy superficial y un film un poco raro pero al ver también el corto de la promoción de la película en donde se dice que la realidad es la fantasía más extraña y que la belleza y lo bizarro toman nuevas formas y nuevas fascinaciones, me puse a reflexionar y comencé a entender el concepto de la película. Posteriormente cuando leí el texto de Julio Cortázar “Las barbas del Diablo”, entendí completamente el argumento de la película: la verdad no siempre es lo que parece o lo que para mí es la verdad para otros no puede serlo, como lo dice Cortázar casi al inicio del texto: “nadie sabe bien quién es el que verdaderamente está contando, si soy yo o eso que ha ocurrido, o lo que estoy viendo […] o si sencillamente cuento una verdad que es solamente mi verdad, y entonces no es la verdad salvo para mi estómago, para estas ganas de salir corriendo y acabar de alguna manera con esto, sea lo que fuere.2

Esto me recordó a otra película que vi hace varios años, la “Ventana de Enfrente”3 que trata sobre una familia italiana de clase media que llevan una vida normal, en donde los padres tienen que trabajar para poder mantener y sacara adelante a sus hijos, pero este orden o tranquilidad de la familia se ve alterado cuando el padre lleva a la casa a un hombre amnésico que ha encontrado en la calle. La protagonista, que en este caso es la madre, al quererlo ayudar va descubriendo el pasado del hombre, pero lo va descubriendo de una forma muy parecida a la película de Blow- Up o sea va juntando los pequeños símbolos como el número que tenía tatuado en el antebrazo, su experiencia en el mundo de la pastelería, un nombre: Simone?, o las pocas palabras que el hombre le dice, todo esto al principio no tienen sentido y la van llevando a falsas conclusiones hasta que al final de la película se da cuenta de la realidad, Simone era el amor del hombre amnésico, y este amor era prohibido ya que en los años 20 no era posible que hubiera una relación amorosa entre dos hombres. Al último ella se queda sorprendida porque la realidad del hombre era muy bizarra y ella nunca se imagino que la realidad fuera esa.

En el caso de Blow- Up y del texto de Julio Cortázar, la historia se ve desarrollando en torno al objetivo de la cámara fotográfica y la observación o un tipo de estudio de las imágenes que obtuvo en el parque y que lo llevan a ir de ampliación en ampliación cuando descubre elementos interesantes que lo intrigan. El carácter ambiguo de la imagen como instrumento del conocimiento de la realidad es lo que se juzga. El protagonista es testigo de un crimen que al ojo desnudo no fue capaz de ver y cuando procura despejarse sus dudas a través de la observación de las imágenes que registró con su cámara de fotos no encuentra una respuesta cabal; la película va jugando entre la verdad y la fantasía, lo que fue y lo que pudo haber sido, lo que sucedió de verdad o lo que tal vez no sucedió nunca.

Este tipo de pensamiento es algo que influencio a Archigram y lo que pudo desencadenar sus ideologías y la línea de diseño que siguieron, un nuevo lenguaje que la gente normal no se percata, la fascinación del grupo por la imaginería los acercó al terreno de la ciencia ficción, o tal vez en realidad no era imaginería si no la verdad de cada uno de los integrantes, su verdad, la verdad para su estomago. Influenciados por este entorno social de los 60 en el que los jóvenes no tenían limites y de los adelantos tecnológicos y que sobre todo en Inglaterra se pusieron al alcance de los jóvenes ya que eran importantes para el estilo de vida mod porque tenían una ideología de no escatimar en gastos con tal de tener lo mejor y más moderno, siempre luchando por sus creencias.

                En la película algo que se me hace fundamental para captar ese sentido de fantasía es la presencia del grupo de extrañas gentes con rostros pintados de blanco tipo mimos, con los cuales termina la película, esa escena del partido de tenis me llamo mucho la atención y me pareció como una alegoría de la realidad, fue una muy buena manera de concluir ya que aquí nos muestra de manera directa como el protagonista entra en este juego de realidades y al final desaparece y nos deja con la duda de si en verdad conocimos lo que paso o si sólo fue un ilusión.

 

Erika Valenzuela Alanis.

 

1.     Londres 1960- 66 (3ª edición). Los Mods, los clubs, los grupos, la herencia.

2.     Cortázar, J.”Las barbas del diablo.” 1959.

3.     Película: “La ventana de enfrente.” 2003. Director: Ferzan Ozpetek.

 

 

 

 

 

 

Sin duda creo que el director trató de reflejar en la película el tema de las apariencias. De lo que es y no es real a simple vista. La película termina dejando al espectador dudando sobre lo que es o no es verdadero. También tiene un principio en el que el protagonista saca fotos de una modelo, de forma muy superficial. Lo que entendí es que la realidad donde vivimos es como una trampa. Cuando vemos en detalle la realidad, cuando la descomponemos en pequeñas partes ampliadas, llenas de nueva información que desconocíamos, descubrimos entonces  secretos que se esconden en ella. Descubrimos que la realidad es distinta a como la percibimos. Este aspecto se ve reflejado en la película, en la parte en que el protagonista amplía las fotos, y descubre sorprendido un asesino y un cadáver, ambos pixelados.

 

Todo lo que vemos es en realidad superficial, y descubrimos lo verdadero, lo que se esconde tras lo superficial, cuando sabemos “mirar”. El concepto de la “mirada” se refleja tanto en la película, como en el cuento de Cortázar (Las Babas del diablo, 1959). Es interesante esta cita en el cuento de Cortázar: “Basta elegir bien entre mirar y lo mirado, desnudar a las cosas de tanta ropa ajena”. Es importante el proceso artístico que quiere mostrar el director,  tanto del fotógrafo protagonista, como del amigo pintor en la película. El pintor, en la película, dice que cuando pinta, la pintura no le dice nada. Luego va descubriendo cosas, y al final todo se clarifica. El fotógrafo se pasea con su cámara en la mano, sin saber que encontrará realmente. Como dice el artista Gabriel Orozco, lo importante es salir a buscar cosas. Y uno siempre las encuentra, si sabe bien “mirar”. Lo importante es tener la “decisión”, y a continuación, disponer de la “mirada”.

 

Otro aspecto que se muestra, es cómo una pequeña acción que hagamos, algún paso que demos, aunque sea por puro azar, pueda llegar a adquirir suma importancia a la larga, y puede involucrar a otras personas (el fotógrafo, probablemente, salva sin querer al chico, en el cuento de Cortázar). La imagen toma mucha importancia en la película. En la trama final, todo se ve reducido a una imagen. El protagonista nunca presencia el crimen de la foto en la realidad. Lo va descubriendo poco a poco, a través de las imágenes contenidas en las fotografías, en su casa.

 

En definitiva, el director escoge para la película algunas ideas de Cortázar, y se podría decir, que, tanto en la película como en el cuento, hay un juego del concepto de ser o no ser. Como de ver o no ver el valor exacto de las cosas. En el final, el fotógrafo hace pensar al espectador que quizás nunca ocurrió el asesinato, al igual que la pelota imaginaria de los mimos se convierte en real.

 

                                                                                                    Federico Menini

Proyecto 100 chairs in 100 days, by Gamper Martino

 

 

LAS CIUDADES

En las ciudades
Hablan
          Hablan
Pero nadie dice nada

La tierra desnuda aún rueda
Y hasta las piedras gritan

Soldados vestidos de nubes azules
                                                El cielo envejece entre las manos
                                                Y la canción en la trinchera

Los trenes se alejan por sobre cuerdas paralelas

                                                Lloran en todas las estaciones

El primer muerto ha sido un poeta
Se vio escapar un pájaro de su herida

El aeroplano blanco de nieve
Gruñe entre las palomas del atardecer

 

Un día
          se había perdido en el humo de los cigarros          Nublados de las usinas                          Nublados del cielo
                                      Es un espejismo

 

 
 
Las heridas de los aviadores sangran en todas las estrellas
Un grito de angustia
Se ahogó en medio de la bruma
Y un niño arrodillado
                                        Alza las manos

 

 

 

 

TODAS LAS MADRES DEL MUNDO LLORAN

 

De Halali, 1918
Traducción de José Zañartu

Para Revisar >

VICENTE HUIDOBRO > Web  y especialmente esta entrevista de Juan Emar
TRISTAN TZARA > Como hacer un poema dadaista 

 

 

 

sitio web >> Alex Mac Lean

Fotografo del paisaje, revisar idea de artificialidad del paisaje, especialmente los alumnos del taller de Paisajismo.

Se recomienda el libro:

Designs on the Land, Alex Mac Lean, Thames and Hudson press, 2003

 

 

 

Para ver el texto completo en PDF > teoria-de-la-deriva

 

 

La evidente manipulación de modelos y capturacion de imágenes, que lleva a cabo Nicolas Rupcich, nos remite a un mundo paralelo, representado por la dualidad de las cosas cotidianas, con una preocupación estética de excelente contenido. Trata de romper códigos establecidos, y llevar a cabo una puesta en escena, contraria a como debiese ser comúnmente entendido e identificado , cada elemento que ,en esta participa. Rescata el contenido de todas aquellas cosas que pareciesen estar en un segundo plano, haciéndolas evidentes, jerarquizando y resaltando su condición innata.

En la producción de sus imágenes, tanto fotográficas como audiovisuales, Nicolás logra que el ojo asimile la imagen real versus la perdida de lo representacional. La adaptación que ejecuta de los espacios, hace que estos luzcan singularmente artificiales, siendo esta , una artificialidad en la que dan ganas de transitar ligeramente sin alterar su fondo…

Al hacer que el espectador participe en algunos de sus procesos de producción de la imagen, casi a modo de pequeño documental, hace que este evidencie mejor el porqué de la decisión del artista , que se involucre con el objeto u elemento protagonista , haciendolo consciente de esta constante dualidad presente de la que formamos parte.

 

Camila Andujar

En la exposición de Nicolás Rupcich, el jueves 10 de abril, sin lugar a duda me pareció interesante el enfoque significativo que le daba a sus obras y el medio de representación que usaba, como por ejemplo, videos, montajes, instalaciones, fotografías que evidenciaban intervenciones o simples observaciones que desarrollaban una recopilación propia de información(portafolio). Sin embargo, me inquietaron dos temas, por un lado, la Geometrización del Paisaje y por otro, el Volumen de la Información.
En el caso de una foto aérea en donde Nicolás se refirió a “la Geometrizacion del Paisaje”, en donde se evidenciaba una carretera que trazaba el paisaje, me recordó la inquietud en el intento del hombre por dominar o hacer presencia en el paisaje. Muchas veces no existe una conciencia en la manera de intervenir, que surgen con diversos fines, en este caso, de conexión entre zonas (carreteras), con fines económicos y de supuesta modernización.
Específicamente, esta foto aérea me recordó otra imagen en el sur de chile desde la isla de Chiloé, en Puqueldón, en donde visualicé unas puntos blancos sobre el mar que eran bollas de cultivos de choritos (más de 3000), que reflejaban claramente la dominación del hombre sobre el paisaje. Parecía una especie de medición o control de la infinitud del mar.
Me referí a este caso, porque creo que evidenciar esta geometrización del paisaje, más allá de algo superficialmente estético sobre contraste, para referirme a una crítica social, con respecto a hasta qué punto estamos dispuestos a dominar el paisaje, y controlar su infinitud, de alguna manera controlar su exuberancia y limitar su esencia, a cambio de la intervención en ella.

Sobre el tema que se refirió al Volumen de la información, creo que es importante recalcar el significado de esta. En relación a este bombardeo de información que existe por los avances tecnológicos, que de alguna manera intervienen en la idea real de los hechos, en qué medida la imagen es reflejo de la realidad. Un claro ejemplo de esto, es el programa de Google Earth que nos permite “conocer” un lugar remoto a través de una imagen satelital. En relación a esto, me recuerda un tema directamente a la hora de tomar referentes en proyectos propios por ejemplo, de qué manera realizamos una selección de la información que tenemos, que debería ser mas allá de algo formal, si no mas bien en relación a la esencia del referente.

Sofia Valdivieso

 

 

 

 

 

Es un artista canadiense de la Columbia Británica con suizos y Dunne-za raíces de las Primeras Naciones, que tiene su sede en Vancouver. Jungen was born in Fort St. John , British Columbia on April 29 , 1970 . Jungen nació en el Fuerte de San Juan, Columbia Británica, el 29 de abril, 1970. He graduated from the Emily Carr Institute of Art and Design in 1992 . Se graduó de la Emily Carr Institute of Art and Design en 1992.

 

 

 LINK

Gordon Matta-Clark
Conical Intersect (detail)
1975
27-29, rue Beaubourg, Paris
courtesy of David Zwirner, NY and the Estate of Gordon Matta-Clark

algunos videos aca

ACA

Claudia Zaldívar, directora de la Galería Gabriela Mistral explica la exposición monográfica de Alfredo Jaar, “JAAR SCL 2006″ organizado por la Fundación Telefónica de Santiago de Chile. Santiago, Chile.

Luces en la Ciudad (1999) obra montada en Montreal, en donde conectaba unos 100.000 watts de luces rojas instaladas en la cúpula de un edificio visible desde buena parte de la ciudad a un interruptor instalado en varios albergues para sin-casas, donde cada persona que entraba y accionaba el interruptor encendía las luces por algunos segundos.

[bisiesto]

Barbarella es un una pelicula de SCI-erotico dirigido por Roger Vadim y basado en el comic Jean-Claude Forest.

Conferencia Nicolas Rupcich

Comentario Personal

 

Los conceptos que se abordaron en la conferencia tienen mucho que ver con la línea que llevo en mi trabajo, aunque creo que en un forma completamente opuesta con el concepto que el conferencista manejo; ya que yo estoy siguiendo una línea de diseño en base a la tecnología y Nicolás nos demostró con su trabajo como una forma irónica de cómo se aplica la tecnología hoy en día, ya que para él la tecnología está invadiendo en cierto punto todo, de tal manera que nos da tanta información que ya no sabemos qué hacer con ella (un exceso de información).

 

Cuando comencé mi trabajo me llamo mucho la atención como, en las Walking Cities de Ron Heron, se trata de tener toda la tecnología posible concentrada en un tipo de vivienda muy futurista y con un diseño muy psicodélico; y estas unidades como base para que la vida de las personas sea más fácil y que pudieran sobrevivir con la ayuda de estas unidades ya que estas les proveían como las necesidades básicas (como un núcleo con una concentración de todo tanto material como de información).

 

Esta concepción de llevar la tecnología al extremo para diseñar, es la línea que por ahora estoy siguiendo. Una idea futurista, en la que siempre está presente el high thech, con diseños innovadores y una visión seductiva y glamurosa de las máquinas. Esta base que comenzó con el Archigram en los 60´s, ha sido seguida por muchos arquitectos, como Norman Foster y Richard Rogers o arquitectos que han tomado bases de esta línea como Zaha Hadid entre otros.

 

Por otro lado Rupcich también abordo el tema de imágenes que al verlas no sabes si son reales o es artificial, y esto me llamo la atención porque al relacionarlo con mi investigación me di cuenta que las imágenes que manejo Archigram siempre fueron representaciones, todo era artificial y por lo que he visto de arquitectos que han seguido los pasos de este grupo, sus ideas o conceptos las desarrollan mediante dibujos muy futuristas lo que a primera vista parece muy irreal, pero que a medida que desarrollan sus ideas se han podido hacer realidad algunos proyectos y otros sólo se han quedado en imágenes artificiales.

 

ERIKA VALENZUELA ALANIS.

Encuentro interesante como Nicolás Rupcich basa su trabajo en referentes de artistas del orden de Gabriel Orozco, Pierre Huygle, Gregor Schneider, Daniel Pflumm, Tomas Demand, ya que es importante en la formación de cada artista nutrirse de investigaciones previas, para así poder aportar o crear nuevos conceptos pero desde una base creada por distintos enfoques.

El trabajo de Nicolás comienza a mezclar teorías que utilizan los referentes anteriormente mencionados para sus creaciones, para así poder establecer una forma de expresión artística con su propio lenguaje.

Mucha veces es criticado el uso de referentes en expresiones artísticas, porque se hace uso muy literal o simplemente una copia de este; pero cuando se toma el referente como una base de procedimientos para poder captar ideas o conceptos, es cuando el artista se enriquece y empieza a mezclar y aportar a su propia base, que en un futuro puede servir de referente para otro artista.

Entiendo coherente este método para la evolución de un artista y de sus bases, las que se reflejan  directamente en sus obras.

 

 

Francisco Riesco

 

Si bien en un principio de la exposición me costo un tanto comprender el lenguaje  o técnica a desarrollar en su trabajo, para llevarlo a cabo al ámbito de la arquitectura .Luego de ver este,  complementado con su explicación, me pareció interesante  la búsqueda e investigación sobre la imagen; su proceso de estudio y posteriormente el producto final ,lo que pude asimilarla a la búsqueda de una obra para los arquitectos, las distintas manipulaciones  de espacios , formas  a través de búsquedas en un proceso , lo cual nos lleva al producto definitivo.

A partir de la intervención del paisaje, este se relaciona directamente con un entorno intervenido, es decir un entorno artificial dentro de lo natural, el cual a partir de una manipulación en la imagen genera  sus obras.

Este juega en el limite entre lo real y lo ficticio, realidades manipuladas, siendo protagonistas temáticas de los distintos fenómenos tanto de la ciudad como los que se dan  fuera de ella.

 

 Dentro de su exposición me llamaron la atención  dos videos:

 

 El primero de la Palmera, el cual un hecho cotidiano, que muchas veces pasa para la mayoría inadvertido, este artista lo somete dentro de su investigación y búsqueda de imagen.

Lo cual una palmera  de carácter natural se toma en cuenta como una vegetación artificial introducida en un  contexto creado o sea manipulado como la intención de esta en este  sitio. Lo que se podría resumir en una realidad artificial

 

El segundo es Automático el cual se ubica en un entorno natural, pero que al instalar la cámaras digitales, crea un paisaje artificial de captura o registro, el trabajo  no apunta a la re-productibilidad de la imagen, sino a la cantidad, capacidad y facilidad de producir imágenes hoy en día. Esta obra proyecta una cierta ironía   de una realidad reproducida a cada instante: la imagen de otra imagen, llevando la producción de imágenes a un exceso ridículo dado su inutilidad. La locación (un bosque) donde se realiza la filmación, permite generar la narración del paso del tiempo articulada únicamente por la luz natural del lugar.

 

KATHERINNE FLORES

 

 

 

“Artificialidad del entorno v/s Artificialidad del medio que lo captura.” (N.Rupcic). Tiene toda la lógica de un discurso contemporáneo. Planteo esto entendiendo la artificialidad del entorno como la negación casi sin verguenza a aquello que desde primer año llamamos “contexto”.

La palmera adornando una avenida santiaguina, Palm Beach itself, pretende hacer ver a nuestra ciudad de una manera ideal, y que nosotros los ciudadanos la miremos y admiremos tal belleza solo digna de aquellos tropicales, que sin embargo, en gloria y majestad adorna nuestra humilde capital.

No es momento de analizar los artefactos urbanos, sino el gesto que le reconozco a Rupcic, esa intencionada radiografía del proceso de montaje. Digo, “aquello que verás a la mañana siguiente no es mas que un montaje, una escenografía para adornar tu entorno”, y así sucede con muchas cosas que arquitectos hacen con nuestras ciudades.

Pero sin intenciones de destrozar mi futura profesion, quiero centrarme en aquello que llamo “radiografía del proceso”, algo que sin duda le quita la majestuosidad a las cosas. Esto es saber la receta, es decir, ver que toda obra no es mas que el resultado de un proceso intenso de busqueda de algo que por un momento exprese nuestras ideas o críticas. Y es asi como quiero abordar el curso y tambien mi carrera:

…estan aquellos con un genio innegable, que un dia despiertan y de sus manos sale una obra majestuosa digna de Vivienda y Decoracion, pero me interesa mucho mas la obra resultante del cansancio, la del cuadernito de notas que solo luego de mirarlo por completo logras entender el real significado de tu obra, que quizas no es una Casa en la Cascada o una Farnsworth, pero que tiene completo sentido por el simple hecho de ser la resultante de un proceso personal de creacion (horas de desvelo incluidas). De esta forma me doy cuenta que lo importante no es la obra final, no es aquel cuadro en la galeria al que todos miran por horas sin entender que (…) es, sino que es ese camino que dura varios años hacia la creacion de un discurso personal que sustente cualquier adefesio o monumento que pueda llegar a construir, y eso solo lo otorga el proceso.

                                                              

                                                              c   a   r   l   o   s       o   r   d   e   n   e   s

Las fotografías no son auténticas

Autenticidad de la manipulación y realidad

Relación entre Thomas Ruff, Nicolas Rupcich y Arquitectura

 

Nicolas Rupcich toma como referente en su desarrollo como artista visual a Thomas Ruff, fotógrafo alemán.

Thomas Ruff pertenece la NUEVA ESCUELA DE FOTOGRAFÍA ALEMANA que se desarrolla a fines de la década de los 80’s la cual tiene como principal objetivo mostrar la cultura contemporánea, sus distintos escenarios y por ende la sociedad.

Se caracteriza por mantener un tratamiento aséptico en el registro de la sociedad contemporánea. En este punto creo también es importante mencionar a Bernd y Hilla Becher, profesores de Thomas Ruff. Su trabajo se basa en la documentación sistemática de tipologías de edificios y objetos industriales a modo de crítica luego de la segunda Guerra Mundial.  En las fotografías se muestran objetos olvidados y obsoletos que han perdido importancia  lo largo de la historia pero que muestran en su esencia parte de un periodo decidor. La intención de los Becher es generar paisajes o mosaicos industriales utilizando la fotografía como herramienta para sacar de contexto a los edificios industriales y así reinterpretarlos en un lenguaje más objetivo.

El cuestionamiento de Thomas Ruff recae principalmente en la autenticidad y realidad de las imágenes,  donde la fotografía nace como un registro de la realidad, establece la determinación supuestamente objetiva de “la verdad” de personas y cosas.  Así su trabajo se basa principalmente en la recopilación de información para luego intervenirla y darle un carácter forzado que se escapa de la realidad contextual del objeto o persona fotografiada. Intenta establecer patrones o caracteres comunes en sus series de fotografías, siempre cuestionando cual es la verdadera realidad de la imagen.

“La fotografía pretende mostrar la realidad. Con tu técnica tienes que conseguir acercarte lo más posible para imitarla. Y cuando estás tan cerca que la reconoces, al mismo tiempo, no es esta realidad”

Thomas Ruff

 

Uno de los trabajos de Thomas Ruff llamado Portraits, se basa principalmente en registrar retratos de gente conocida donde se les pidió tener una mirada neutra e inexpresiva, con este trabajo Ruff intenta mostrar dos situaciones, por una parte exponer a manera de fotografía policial los retratos donde se puede tener una percepción distinta de cada retrato y donde cada uno de estos muestra la esencia de la persona y a la vez que el conjunto de estas reflejasen la estandarización de la raza a manera de crítica (entendiendo su procedencia alemana).

El trabajo de Ruff también intenta mostrar en el mismo objeto, la fotografía, el proceso de creación de ésta, así se percibe el objeto con un concepto especifico y no solo como una imagen proyectada. Las imágenes de Ruff intentan cuestionar la realidad sacándonos de nuestro contexto establecido y permitiendo así una posible creación de distintas realidades, dejándolo a nuestra libre interpretación. Pero a su vez siempre recurriendo a un periodo histórico o a muchos periodos, donde un mueble un paisaje o una persona pueden ser un personaje “real”.

El trabajo de Nicolás Rupcich se acerca bastante a los conceptos que tiene Ruff a la hora de fotografiar y manipular las imágenes. Los dos tratan de evidenciar un problema real y a su vez descontextualizarlo, desarmarlo y en este mismo proceso entender que se escapa de lo que nosotros creemos real o verdadero. Tomar objetos absurdos y otorgarles un potencial que nos hace rememorar una historia haciéndolos protagonistas. También toman de manera común tanto Rupcich como Ruff la idea de la tecnología en la fotografía y en la cotidianeidad.  Donde esta pasa a ser un personaje que invade nuestra realidad dándonos demasiada información que no podemos integrar a nuestra vida, en este sentido Thomas Ruff hace una muestra llamada Nudes (2001) donde saca imágenes de desnudos femeninos y pornografía de internet y las manipula con la intención de evidenciar el problema del anonimato de la red que ha generado un exhibicionismo evidente en la sociedad actual.

El objeto tanto para Rupcich como para Ruff se evidencia a través del proceso, entendiendo este como un cuadroxcuadro. Es así como el objeto en si pierde valor y a la vez el proceso se manifiesta como una conceptualización de esta nueva realidad, la de los objetos.

En el video de Nicolás Rupcich Diseño de Paisaje donde se muestra la incorporación de una palmera en un paisaje ya existente pretende cuestionar el valor del objeto en un contexto determinado, si ese video no existiese no notaríamos el impacto de esta plantación donde un paisaje pasa de una realidad a otra por medio de un proceso cuestionando lo natural y su próxima artificialidad. Es así donde al paisaje pasa a ser un personaje pero de todas maneras el personaje principal es la palmera que llega a cuestionar en que realidad estamos viviendo y como la tecnologizacion ha logrado perturbar nuestra realidad aparente por medio del registro. En este caso Ruff en sus primeras fotografías (interiors) muestra la realidad de un contexto limitado, el de los objetos, fotografiando éstos en su “realidad” donde los muebles pasan a ser un personaje que determina y cuestiona nuestra historia y que pretenden ser ‘recordatorios’ de alguna historia pasada.

En el caso de Thomas Ruff también es importante mencionar la relación con la arquitectura. Desde un principio Ruff se intereso por fotografiar edificios arquitectónicos conocidos evidenciando la ideología y economía Alemana.

Uno de ellos fue el pabellón de Barcelona,  de este conocimiento parte Ruff, desvelando por un lado y transformando por otro las edificaciones. De este modo presenta las arquitecturas como nuevas, descubriendo nuevos espacios secretos. También es importante mencionar su relación con Herzog & de Meuron donde ha trabajado fotografiando sus edificios preocupándose principalmente de las fachadas donde se intente generar un dialogo a través de la fotografía y donde el edificio se muestre como un objeto que se perciba de manera distinta que solo como un objeto arquitectónico. En la Biblioteca Eberswalde, Ruff colaboro de manera directa en el diseño de la fachada, eligiendo cada fotografía que luego seria serigrafiada en los vidrios. Las imágenes elegidas fueron de periódicos antiguos, material con que Ruff siempre trabajó por el peso histórico que  tenia cada imagen, siempre evocando a lo absurdo de los reportajes pero siempre relacionándolos y contextualizándolos.  La intención arquitectónica fue la de generar una fachada que vibrara por su valor estético pero también y más importante por el valor que tiene cada imagen en si misma que nos permite generar mapas históricos de nuestra propia realidad, o de lo que creemos realidad.

                          Paulina Arancibia

En lo personal, lo que llamo total mi atención en los trabajos realizados por Nicolás Rupsich, es esa idea que trabaja con la contradicción que presenta lo natural versus lo artificial, en el mundo real, la ciudad en donde vivimos.

Una forma distinta y crítica de mirar la ciudad, con lo cual da a conocer formas; elementos, situaciones de la realidad los cuales vistos de otra manera evidencian que estamos envueltos en artificialidades.

Esta idea de la artificialidad que muestra en sus imágenes y videos sobre la palmera, por ejemplo; la cual es un elemento natural, el cual situado en un lugar particular de la ciudad pierde este valor, pasando a ser un elemento fuera de la realidad, que no pertenece de ninguna forma a este lugar, este es el caso Providencia; que es un montaje forzado, totalmente fuera de contexto que toma horas de trabajo buscando cambiar la imagen del sector.

Nicolás da a conocer distintas formas de percibir un lugar, utilizando diversas maneras de representación, las cuales abren la mente y ayudan a darnos cuenta de problemas que están explícitos alrededor de nosotros y claros ejemplos que vemos el día a día sin ni siquiera preguntarnos o darnos el tiempo de pensar en ellos.

Francisco Cuesta

Ver el trabajo de Nicolás, me da pie para analizar el típico prejuicio y critica infundada que existe sobre el trabajo de los artistas contemporáneos, la gente tiende a no entender lo que ve y lo que le muestran en una exposición, al sentirse inculta suelta palabras al vuelo como “esto cualquier persona lo podría hacer”, y claro, esto se debe a que muchos artistas trabajan con elementos cotidianos, y la gente los ve cercanos a ellos, pero esto me da la conexión con lo que dice el también artista y referente de Nicolás, Gabriel Orozco, que en el documental visto decía, “claro, la gente dice que el trabajo de los artistas contemporáneos los podría hacer cualquiera, pero no cualquiera tiene los cojones para hacerlo” (o algo así), y claro no todo el mundo tiene la visión, la sensibilidad o el coraje si se quiere llamarlo así, para mostrar ciertas cosas que en el caso de Nicolás, se nos muestran como imágenes muy cotidianas que muchas veces pasamos de largo, o simplemente nunca vemos, y eso es lo que el quiere mostrarnos, elementos de nuestro diario vivir, que marcan quiebres o “anécdotas” sobre algo que pasa.

Es interesante como Nicolás trabaja con la ironía, ese humor con que ve las cosas y como las representa, el solo estar en la charla nos decía mucho al el explicar su trabajo el solo se iba riendo de los que contaba, el como nació una idea, etc., por ejemplo, en el trabajo de Automático a través de un soporte técnico no menor pero muy simple en su disposición, el muestra a través de un de video como una serie de cámaras digitales instaladas en un bosque, locación que permite dar la narración del video a través de el paso del tiempo, las cámaras van sacando fotos con flash y dan cuenta de un registro fotográfico extenso pero inútil.

“Lo que busca Automático es valerse del proceso de los dispositivos técnicos registrándose, para con eso hacer una nueva imagen.”(N. Rupcich).

La visión de Nicolás sobre temas cotidianos y sobre todo de la ciudad tiene que ver mucho con nuestra oportunidad como futuros arquitectos de darnos cuentas de los extraños fenómenos que acontecen en esta ciudad, de la invasión incontrolable de condominios y edificios, y en muchos casos uno hace vista gorda, de estas acciones urbanas, y Nicolás de una manera tan sencilla, que es sacando una foto o grabando un video muy casero, da cuenta lo que pasa, provocando una critica directa sin emitir palabras y eso es lo que mas se agradece, al momento de presentar su trabajo.

Pablo Potin T.

En la conferencia presentada por Nicolás Rupcich comienzo a notar que su método de recolectar la información es lo que le lleva a obtener un resultado tan enriquecedor. Me llama mucho la atención lo que decía Nicolás; que en el fondo lo importante es donde ubicarse y de ahí en adelante grabar y grabar, ya que de ahí se obtendrá materia suficiente como para sacar una obra.

Si bien, la metodología para recoger información es muy particular y buena manera de captar todo lo que sucede en el espacio deseado. Se va acumulando mucha información que después puede generar un enredo de información la cual termina perdiéndose en bodegas, como decía Nicolás.

 

A lo que voy con su temática de trabajo es a notar los resultados a los cuales se llegó. Por ejemplo en la obra “Automático”, para ver lo que pasa con los focos y juegos de luces, tuvo que haber un estudio de la iluminación en el bosque, con el trascurso del tiempo la luminosidad va cambiando y uno puede captar que tipo de juego se puede hacer. Entonces Nicolás l oque hace es a través de los flashes ir captando luminosidades determinadas en zonas específicas , como también va generando un ritmo de sonidos y luces con estos flashes. Además hace un juego de abrir y cerrar el foco de la video cámara para así captar menos y mas luz natural, dando potencialidad a su obra. Genera todo un proceso que da a entender que se amaneció en el video con estos flashes, lo cual pasaría si se grabará mucho tiempo recopilando información como Nicolás lo hace.

 

Algo parecido sucede en la obra “Copyright” porque a través de la recopilación de información, grabando, se puede obtener material útil para concretar la obra. Aquí se utilizó para instalarla de fondo para hacer pasar información y generar un video.

 

Entonces es muy importante notar que el método de trabajo que uno debe llevar debe ser claro, porque el recopilar información como lo estamos haciendo nosotros, peor sin ningún objetivo claro, no lleva a un resultado concreto, pero si por el contrario se tiene fijada la meta, el horizonte al cual quiere cada uno llegar en el curso, al recopilación de información como lo estamos haciendo conlleva a un resultado satisfactorio.

 

Arturo Barrios.

Al acercarnos a Nicolás Rupcich, observamos como sus referentes  e inspiraciones en artistas  van perfectamente relacionados  con la visión de la imagen como algo que busca representar más que mostrar una realidad, una representación que precisamente evidencie la forma de producción de la imagen final. Rupcich con su trabajo busca una imagen a nivel técnico, estableciendo, de esta forma, relaciones entre la artificialidad del entorno y los medios que se utilizan para ello. Para realizar su trabajo, Rupcich se pregunta qué es materialmente su imagen, qué la conforma, cómo se produce y cómo se transforma.

 

Rupcich se acerca al paisaje, cómo  éste se construye para verse como imagen, para transformarse en ella. Para esto se produce la geometrización del paisaje, el paisaje se va construyendo gracias a la intervención humana, para transformarse en una imagen, los parámetros con los que se va creando, apuntan a lograr verlo como una buena imagen a nivel, muchas veces, de fotografía digital. También la técnica es necesaria en paisajes vírgenes, sin la intervención humana, sino, ¿Cómo apreciar desde santiago  la cordillera de los andes, en sus cumbres, sino es desde el cielo con un equipo de filmación o fotografía? Es decir, son necesarios los equipos para poder darnos la imagen de mundo que buscamos, o sea, en este caso la imagen puede parecer muy real, pero no podemos olvidar que la artificialidad queda descubierta a través del montaje, y a eso es a lo que apunta Rupcich.

 

Toda esta manipulación de la imagen está fielmente relacionada con mostrar cómo la tecnología es, finalmente, la que logra que la imagen se repita y puede alcanzar a un público global. La imagen se multiplica, llega  a todos. Ahí nos damos cuenta cómo estamos tan bombardeados de información e imágenes que llegamos a pensar que ya estuvimos en muchos lugares,  simplemente al hablarnos del lugar más recóndito inmediatamente relacionamos con una imagen en nuestra mente, una imagen muchas veces es creada por ciertos medios, pero que se va transformando en realidad a través de sistemas de comunicación o de producción. Finalmente la imagen la se transforma en algo sin dueño, sin un proceso tras ella importante, sólo se transporta como imagen  de algo que muchas veces roza con la artificialidad.

                                                                                                               M. Vidal

 

Conferencia: Nicolás Rupcich,

(Artista visual)

 

 

Juego de imágenes, ritmos y secuencias, realidad y ficción, son los temas que Nicolás Rupcich aborda en su trabajo, es una mirada diferente y fresca la cual hace patente en su presentación.

 

“Una percepción de la realidad que muestra lo evidente de las cosas en una forma artificial”.

 

Nicolás postula que el entorno se puede entender a través de imágenes, da a entender que todo el mundo el cual nosotros consideramos cotidiano o natural y que es un diseño previamente planificado o sea un mundo de artificialidades, el nos muestra básicamente como manipula los objetos para poder crear otras realidades que se dialogan en un entorno comun, y como otras personas son capaces de poder definir que es natural para la percepción lo cual da a pensar en nuestro propio hacer y cuestionarnos cual es la lectura que nosotros como Arquitectos Diseñadores entregamos a las otras personas en la ciudad.

 

De ese aspecto, el urbano, Nicolás se engancha y se hace parte de ese lenguaje y lo toma como su escenario de una manera muy elegante como por ejemplo en el video que aparece la palmera en medio de la ciudad la cual hace reflexionar nuevamente sobre nuestro hacer, y a partir de esa experiencia me pregunto que pasaría si esa palmera que Nicolás rinde homenaje en su corto no existiese en ese lugar, a alguien realmente le importaría, o ahora cuando uno pasa por ese sector de providencia a alguien le importa que halla una palmera ahí, ¿se ve artificial o natural en ese punto?. Bueno como el mismo dijo “lo que busco es evidenciar cosas de diseño” y “generar diálogos”.

 

Como artista visual me llamo la atención que el buscase una critica a través del análisis de otras críticas, algo raro pero que me parece notable ya que le da un peso mucho mayor y mucho mas enriquecedor a su propia critica.

 

Ciertamente no entendí bien como era su proceso creativo como para poder unirlo con la arquitectura en ese punto, pero una cosa fue muy clara y que es con lo que me quedo de el como artista, y es, que es capaz de generar diálogos claros, subjetivos y con conceptos bastante claros.

 

Rodrigo Flores Acevedo

 

 

 

 

El espacio es una dimensión, una extensión, una materialidad, una realidad…todo tiene lugar en el espacio y ocupa un espacio. El espacio es una plataforma manipulable, pero por cierto una duda; nunca es mío, necesito marcarlo, designarlo.

Me interesa entender las obras de Nicolás Rupcich con una visión que da foco a las distintas tipologías de espacios que se pueden concebir no solo en la realidad, sino el espacio que se transforma en una “plataforma manipulable” por el hombre, que nos hace dudar de su existencia y realidad. Para eso hago entender que el espacio se puede concebir en fragmentos.
Hago una analogía:

Escribo…trazo palabras sobre una hoja. Consolido una frase que se
Forma de izquierda a derecha, y D
E

A
R
R
I
B
A

A
B
A
J
O

En este ejemplo quiero demostrar que un fragmento, tipología de espacio puede ser la misma hoja donde estoy escribiendo; y pasa a ser una plataforma manipulable.
Mi idea es llegar a expresar que la diversidad espacial dada a través de la imagen, diversa y fragmentada, donde en la obras de Nicolás Rupcich podemos percibir. Superposiciones de plataformas, reales e irreales que se montan formando una nueva espacialidad…imagen virtual.

Los espacios se han multiplicado, fragmentado y diversificado. Los hay de todos los tamaños y tipologías, para todos sus usos y para todas las funciones. El espacio deja de ser evidencia, se vuelve pregunta, deja de estar incorporado, deja de estar apropiado.

Matías Jarpa.

Conferencia Nicolas Rupcich

Comentario Personal

 

Los conceptos que se abordaron en la conferencia tienen mucho que ver con la línea que llevo en mi trabajo, aunque creo que en un forma completamente opuesta con el concepto que el conferencista manejo; ya que yo estoy siguiendo una línea de diseño en base a la tecnología y Nicolás nos demostró con su trabajo como una forma irónica de cómo se aplica la tecnología hoy en día, ya que para él la tecnología está invadiendo en cierto punto todo, de tal manera que nos da tanta información que ya no sabemos qué hacer con ella (un exceso de información).

 

Cuando comencé mi trabajo me llamo mucho la atención como, en las Walking Cities de Ron Heron, se trata de tener toda la tecnología posible concentrada en un tipo de vivienda muy futurista y con un diseño muy psicodélico; y estas unidades como base para que la vida de las personas sea más fácil y que pudieran sobrevivir con la ayuda de estas unidades ya que estas les proveían como las necesidades básicas (como un núcleo con una concentración de todo tanto material como de información).

 

Esta concepción de llevar la tecnología al extremo para diseñar, es la línea que por ahora estoy siguiendo. Una idea futurista, en la que siempre está presente el high thech, con diseños innovadores y una visión seductiva y glamurosa de las máquinas. Esta base que comenzó con el Archigram en los 60´s, ha sido seguida por muchos arquitectos, como Norman Foster y Richard Rogers o arquitectos que han tomado bases de esta línea como Zaha Hadid entre otros.

 

Por otro lado Rupcich también abordo el tema de imágenes que al verlas no sabes si son reales o es artificial, y esto me llamo la atención porque al relacionarlo con mi investigación me di cuenta que las imágenes que manejo Archigram siempre fueron representaciones, todo era artificial y por lo que he visto de arquitectos que han seguido los pasos de este grupo, sus ideas o conceptos las desarrollan mediante dibujos muy futuristas lo que a primera vista parece muy irreal, pero que a medida que desarrollan sus ideas se han podido hacer realidad algunos proyectos y otros sólo se han quedado en imágenes artificiales.

 

Erika Valenzuela Alanis.

Algo que llamó mi atención, es la forma de mostrar el proceso de aquello que se transforma en la esencia misma del objeto, vale decir, el proceso se vuelve tan objeto como el objeto mismo. Es así como desglosa las imágenes, poniendo en evidencia filosófica el objeto mismo, criticando el artificio, las imágenes, la arquitectura y una forma de vivir. Hago Una analogía con el trabajo que realiza Louis Khan en sus obras; construyendo y poniendo en énfasis de su arquitectura el trabajo estructural de la obra y siendo éste parte de una estética y funcionalidad concreta, claro que sin tener el afán crítico de Nicolás. Otro arquitecto, con el cual hago alcance y he venido investigando a lo largo del curso, es Santiago Cirujeda. Me parece que la arquitectura que el hace tiene mucho que ver con esta desintegración de la imagen que plantea Nicolás en sus trabajos, y uno de sus referentes cercanos como es Gabriel Orozco quien trabaja con residuos, al igual que Santiago, creo que lo que tienen estas obras, en común son el hecho que las obras evidencian el proceso y lo integran en la obra.

La obra que a mi parecer es más representativa de lo que yo puedo interpretar del trabajo de Nicolás, es la fotografía que tomó de noche a un condominio en construcción. Eso junto con su trabajo de post-producción de imágenes y video como en su obra Diseño de Paisaje, hablan de un desglosamiento de la imagen y su artificialidad. El artista es capaz de disminuir la velocidad que trae consigo la revolución industrial y que está cada vez más en aumento y da un argumento filosófico en el cual, me hace entender que esta velocidad que trae consigo la arquitectura y su producción, es para ponerse a pensar y darle más de una vuelta.

Sebastian Rodriguez

En la actualidad mucho de lo que nosotros vemos  esta intervenido de alguna manera y no se puede saber con exactitud qué es real o qué es artificial. La relación con la artificialidad fue el concepto que más me interesó de la conferencia. Mediante los procesos de post producción se va pasando al lado de lo ficticio. Esto nos muestra que todo se puede manipular para que se perciba de manera diferente a la que en realidad es. Las imágenes o  algo más relacionado con la arquitectura como los espacios, se pueden modificar agregando objetos que nos transporten a un concepto de lugar muy diferente.

El hecho de poner algún objeto que no pertenece al ambiente en donde se inserta me pareció interesante. La acción parece convertir al espacio en algo fríamente manipulado y llena a las ciudades de artificialidad. Se vio, en varios videos y fotos, el proceso para lograr una imagen muy estandarizada de lugares, y en ese mismo proceso se ve después una imagen totalmente opuesta a la que se quiere llegar. Me pareció que el evidenciar las cosas que pueden ser entendidas como residuales o errores,  es en sí algo que sirve para explicar su concepto.

Los referentes que tiene son muy variados. Por ejemplo las fotografías de Thomas Ruff en donde  varias capas de información (de imagen) se sobreponen hasta que esa información se va perdiendo hacen que se termine hablando no de un objeto si no de un concepto. Esto  se puede ligar con la obra de Gabriel Orozco.  El  utiliza los objetos comunes para ordenarlos y dar a entender un concepto. Tiene la capacidad de sintetizar  la esencia del objeto  y darle un giro para comunicar algo. El proceso creativo que maneja es muy libre, casi puramente intuitivo y creo que es algo que debemos aplicar  a la hora de pensar en un proyecto porque generalmente nosotros mismo nos ponemos límites a la hora de diseñar. Siempre es bueno salirse un poco de lo usual y ver diferentes alternativas para resolver un problema, no solo seguir el método probado.

Me llamó la atención que una manera de entender el paisaje, contrario a lo que generalmente se piensa, es en su opinión la artificialidad, o sea la imagen satelital en el caso del trabajo expuesto, en contraposición con la capacidad que las personas tienen de conocer por ellos mismos el paisaje. Pienso que esta ironía es real en muchos casos pero sin duda también es importante comunicar lo sensorial, que es de lo que la gente vive y por medio de lo cual se comunica en la vida diaria.  Ese límite entre lo real y lo ficticio, lo verdadero y la postproducción a veces se pierde pero es parte de lo que se vive actualmente.

Carolina Ayala

 

Conferencia: Nicolás Rupcich, Artista visual/ Magíster en Artes Visuales Universidad de Chile

Sin duda, es interesante la manera en la que, Nicolás Rupcich lleva a cabo una investigación sobre la imagen. Al igual que el proceso de creación del artista Gabriel Orozco (una de sus influencias), Nicolás tiene clara la idea, el proceso desde un principio, y a partir de ahí, va creando. Primero va la decisión, y en segundo lugar la producción de la obra, mientras se van dando distintos cruces de ideas. Esta forma de producir puede ser aplicada tanto en el ámbito de la fotografía, la escultura, la arquitectura…, y puede dar mucha libertad. Lo importante es tener la idea clara, y sobre todo, la mirada. Tener un concepto definido, y darle forma.

Las obras de Nicolás juegan con la artificialidad de las imágenes, con lo que es y no es real, con realidades manipuladas. Trasladada esa idea al campo de la arquitectura, por ejemplo, se podría hablar de la apariencia, de qué significa realmente la imagen de una arquitectura determinada, de cómo se puede manipular un espacio, o un entorno. En este mundo estandarizado es muy fácil manipular la realidad, y a ala gente. Nicolás habla de ocasiones en que, con la idea de hacer más natural un entorno, se consigue finalmente, sin embargo, una mayor artificialidad.

La obra “Automático”, puede evidenciar, al igual que una producción desmesurada de imágenes, la actual producción de arquitectura en serie, dónde se construye con el único objetivo de ganar el mayor beneficio posible de dinero de forma rápida, y cuyas arquitecturas ni dicen, ni simbolizan nada en su entorno. Al contrario de la información virtual, que se puede almacenar en discos duros, la superpoblación de arquitecturas ocupan espacio real, y no se puede almacenar en ningún lugar. Y algún día se agotará el espacio.

Federico Menini

 

Se recomienda leer el cuento de Julio Cortazar, Las Babas del Diablo, del libro Las Armas Secretas, se puede encontrar en el siguiente link >>  LAS BABAS DEL DIABLO

 

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